Bilan Annel 2002

Notre bilan de fin d'année 2022 est probablement le billet de ma part pour moi - du moins dans l'avenir prévisible.

Comme je l'ai souligné en septembre, près de 12 ans après le début de cette expérience, j'ai conclu qu'il était temps pour moi de prendre du recul. Dans cette veine, notre montage no. 400 mettant en vedette la Belle au bois dormant de Tchaïkovski sera mon dernier de notre série B+B.

Lorsque nous avons commencé cette expérience en 2011, peu d'entre nous pouvaient voir un changement fondamental dans la diffusion de la musique, avec la quasi-dominance des services de musique en streaming par abonnement et des achats de médias numériques plutôt que des CD et les microsillons "boutique". C'est vrai pour la musique populaire, comme pour la musique classique/de concert et l'opéra.

J'ai commencé à regrouper de la musique sous forme de balados pour combler une lacune que je percevais, qui a été créée au Canada avec des sources fiables de musique à demande quittant les ondes terrestres. Nous ne savions pas que le public qui écoute de la musique ferait si facilement la transition vers les nouveaux médias.

En bref, ce que je fais n'est plus vraiment nécessaire, et le temps que je pensais avoir en semi-retraite à consacrer à cette entreprise est plus rare que je ne l'imaginais.

L'avenir de "Pour votre bon plaisir"

Je dois vous rappeler que nos archives ont la majeure partie de nos partages musicaux facilement disponibles pour être écoutés (avec leur lecteur intégré) ou téléchargés. Tant que ce service existera, cette musique sera là pour le plaisir de tous.

À l'heure actuelle, j'ai encore un bon nombre de partages du mardiéQQJP et d'opéras  passés qui n'ont pas encore été publiés sur la chaîne de podcasting, et dans l'esprit de conserver notre contenu archivé, je prévois de le faire - les publier au ralenti alors que je conserver les archives. Ne soyez pas surpris si un ou deux billets à la carte apparaîssent de temps en temps dans le cadre de cet exercice.

En tant que service à tous mes auditeurs, je maintiendrai les épisodes passés actuellement actifs jusqu'à la fin du mois de janvier, réduisant lentement notre empreinte jusqu'au niveau de stockage "de base" (gratuit pour moi) de 500 Mo - ce qui équivaut à 5 - 7 épisodes. Il y aura une limite de téléchargement proportionnelle, mais si je publie simultanément dans l'archive, ce ne sera pas trop un problème.

Au fur et à mesure que je publierai du matériel nouvellement organisé, je retirerai les montages les plus anciens. Lorsque j'aurai terminé, je ferai le point sur l'activité du podcast et déciderai de ce qui se passera ensuite.

Avant de vous laisser profiter de notre playlist YouTube annuelle de ramassis, je voulais une dernière fois vous remercier de m'avoir accompagnés dans cette expérience. Ce fut agréable le temps que ça a duré!

Bonnes vacances et bonne année 2023 à tous !

Pierre

Tchaïkovski: Intégrale des ballets

 

Le billet su ivant est un de mes Quinze que j'en pense pour le mois de décembre 2022.

Ce mois-ci, sur notre chaîne Pod-O-Matic, nous partageons un bon nombre de nos anciens montages de Tchaïkovski, et Intégralement Vôtre de ce mois-ci s'inscrit dans le thème de Tchaïkovski, avec ce gigantesque post YouTube du label Brilliant Classics contenant le triptyque des ballets complets de Tchaïkovski.

Les ballets de Tchaïkovski, Casse-Noisette, La Belle au bois dormant et Le Lac des cygnes, sont de loin la musique de ballet la plus populaire jamais écrite et comptent parmi les œuvres les plus célèbres du maître. Tchaïkovski, génie tourmenté, a trouvé un soulagement en écrivant ces œuvres brillantes et poids plume, évoquant des mondes fantastiques de contes de fées.

Bien qu'aujourd'hui les trois ballets soient très appréciés et joués, il n'en a pas toujours été ainsi. Il a fallu du temps pour que leur statut soit établi et les réactions aux premières productions ont été décidément mitigées du vivant de Tchaïkovski. Ce qui est particulièrement attristant, c'est le fait que le grand compositeur soit mort en croyant que Swan Lake, peut-être son ballet le plus célèbre aujourd'hui, était un échec - bien que cela soit en partie dû au fait que la chorégraphie la plus associée à l'œuvre aujourd'hui a été développée après sa mort. La Belle au bois dormant, quant à elle, subit l'affront d'un accueil impérial tiède lors de sa présentation au tsar Alexandre III en 1890 ; et Tchaïkovski lui-même croyait que Casse-Noisette était une œuvre inférieure, « infiniment pire que la Belle au bois dormant », selon ses propres mots.

Afin de faciliter l'écoute, j'ai séparé les trois œuvres en pistes individuelles dans nos archives musicales (et sur la chaîne de podcasting, avec leurs dates de publication réparties tout au long du mois de décembre). Bien que toute la musique soit interprétée par le Royal Philharmonic, chaque ballet est attribué à son propre chef d'orchestre.

Bonne écoute !



Pyotr Ilyich TCHAÏKOVSKI (1840-1893)

Intégrale des ballets interprétés par le Royal Philharmonic Orchestra

Le lac des Cygnes (Лебединое озеро), Op. 20 [TH 12]
Nicolae Moldoveanu, direction
Enregistrement: Cadogan Hall, 13-15 juillet 2009

La belle au bois dormant (Спящая красавица), Op. 66 [TH 13]
Barry Wordsworth, direction
Enregistrement Cadogan Hall, 31 mai – 2 juin 2010

Casse-Noisette (Щелкунчик), Op. 71 [TH 14]
David Maninov, direction
Enregistrement Henry Wood Hall, 15-16 avril 1995

Brilliant Classics 94949

Détails - https://www.brilliantclassics.com/ar...mplete-ballets

Internet Archive - https://archive.org/details/1-01-swan-lake-op.-20

Tchaikovski: La belle au bois dormant”

Notre montage # 400 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast400

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Le 400e et dernier montage de cette année (et le dernier montage de notre série B+B) croise un sujet que j’élaborerai dans mon Quinze que j’en pense de décembre.

La Belle au bois dormant était la deuxième des trois partitions de ballet de Tchaïkovski, composées et orchestrées d'octobre 1888 à août 1889, avec des révisions mineures lors des répétitions sur scène au cours des trois derniers mois de 1889. La partition comprend une introduction et de 30 numéros individuels, disposés comme un court prologue et trois actes.

"Je projette d'écrire un livret sur La belle au bois dormant d'après le conte de Perrault. Je voudrais une mise en scène à la Louis XIV, qui serait une fantaisie musicale écrite dans l'esprit de Lully, Bach, Rameau, etc. Si cette idée vous plaît, pourquoi ne pas entreprendre d'écrire la musique ? Au dernier acte, il faudrait qu'il y ait des quadrilles pour tous les personnages de contes de Perrault, y compris le chat botté, Tom Pouce , Cendrillon, Barbe Bleue, etc." - Ivan Vsevolozhsky, dans une lettre du 13/25 mai 1888

En 1888, Ivan Vsevolozhsky (directeur des théâtres impériaux de Saint-Pétersbourg) commande un nouveau ballet à Tchaïkovski — La Belle au bois dormant — pour lequel il fournit un scénario détaillé, ainsi que des suggestions sur la façon dont l'époque de Louis XIV devait être reproduite dans la musique et sur scène. Cette fois, le compositeur était enthousiasmé par le sujet et s'est immédiatement mis au travail sur la mission.

Vsevolozhsky organisa la première rencontre entre Tchaïkovski et Marius Petipa (chorégraphe et premier danseur des Théâtres impériaux de Saint-Pétersbourg), et tout au long de leur fructueuse collaboration sur ce premier projet commun, il servit d'intermédiaire entre eux. Fin dessinateur, Vsevolozhsky a également réalisé des croquis des costumes des personnages de contes de fées du ballet et supervisé le travail des décorateurs, toujours à la recherche d'une authenticité historique. La première réussie de La Belle au bois dormant au théâtre Mariinsky les 3/15 janvier 1890 a justifié sa vision créative, et Yelena Fedosova a souligné à juste titre que Vsevolozhsky a anticipé de deux décennies l'idée communément attribuée à Sergey Diaghilev (1872-1929) de "compositeur unissant , maître de ballet et artiste plasticien dans la création d'une œuvre ».

Tchaïkovski a reconnu la contribution et le soutien vitaux de Vsevolozhsky en lui dédiant La Belle au bois dormant. Bien que la paternité du livret soit normalement attribuée à Vsevolozhsky, il est possible que Marius Petipa ait également été impliqué, puisque dans les archives de ce dernier se trouve un manuscrit daté du 3/15 juillet 1888, avec une liste des personnages du ballet, et les descriptions des nombres dans chaque scène.

La performance est tirée de la même anthologie du Royal Philharmonic Orchestra des ballets complets de Tchaïkovski (ici sous Barry Wordsworth) que nous examinerons prochainement.

Bonne écoute!

Serse (Handel)

 

Le billet su ivant est un de mes Quinze que j'en pense pour le mois de novembre 2022.

Pour faire changement cette quinzaine, un opéra, et baroque en plus…

Serse (en italien, Xerxes en anglais) est un opéra seria en trois actes de George Frideric Handel. Le sujet a été utilisé dans d'autres opéras baroques du XVIIe siècle - Francesco Cavalli en 1654 et Giovanni Bononcini en 1694. Le livret de Silvio Stampiglia lui-même est basé sur celui de Nicolò Minato (ca. 1627–1698) utilisé par Cavalli.

L'opéra se déroule en Perse vers 470 av. J.-C. et est très vaguement basé sur Xerxès Ier de Perse. En entendant une belle voix chanter dans le jardin, le roi Serse, naturellement, tombe amoureux. Le fait qu'il soit déjà fiancé, et que la chanteuse soit en fait amoureuse de son frère, n'a absolument aucune importance. Il bannira simplement son frère et fera au père de la fille une offre qu'il ne pourra jamais refuser. Avec un plan aussi ingénieux, Serse n'imagine jamais qu'il échouera.

Ce qu'il ne s'attend pas à rencontrer, c'est la force du véritable amour. Son frère Arsamene et sa bien-aimée Romilda sont destinés à être ensemble. Après quelques messages mal acheminés, quelques déguisements et un mariage accidentel, le roi Serse se retrouve furieux et sans amis. Comment va-t-il se racheter et se sauver de la vengeance du fiancé trahi ?

Serse, à l'origine chanté par un castrat mezzo-soprano, est maintenant généralement interprété par une femme mezzo-soprano ou un haute-contre. L'air d'ouverture, "Ombra mai fu", chanté par Serse sur un platane est une des mélodies les plus connues de Handel, et est souvent connu sous le nom de "Largode Handel" (bien qu'il soit marqué "larghetto" dans la partition).

La première production a été un échec complet; le public peut avoir été troublé par le caractère innovant de l'œuvre. Contrairement à ses autres opéras pour Londres, Handel a inclus des éléments comiques (buffo) dans Serse. Bien que cela ait été typique des œuvres vénitiennes du XVIIe siècle telles que la mise en scène originale du livret de Cavalli, dans les années 1730, un opéra seria devait être tout à fait sérieux, sans mélange des genres de la tragédie et de la comédie ou des personnages de classe supérieure et inférieure.

Fondé en 2012 par Giulio D'Alessio et Gesine Lübben, Il Pomo d'Oro s'est rapidement imposé comme un ensemble d'une qualité exceptionnelle dans le domaine de la performance historiquement informée. Il Pomo d'Oro revient sur 10 ans d'intense activité de concerts dans le monde entier et sur une liste impressionnante de 35 enregistrements, dont beaucoup ont été primés. Le casting, avec le contre-ténor argentin Franco Fagioli, est composé de chanteurs établis dans le répertoire baroque
Bonne écoute!

George Frideric HANDEL (1685-1759)
Serse (Xerxes), HWV 40
Opera en trois actes, livret italien de Silvio Stampiglia

DISTRIBUTION
Serse (Xerxès), Roi de Perse - Franco Fagioli
Romilda, fille d’Ariodate - Inga Kalna,
Arsamene, frère of Serse - Vivica Genaux
Amastre, princesse d’un royaume voisin, promise à Serse - Delphine Galou
Atalanta, soeur de Romilda- Francesca Aspromonte
Elviro, au service d’rsamene - Biagio Pizzuti
Ariodate, prince sous Serse, père de Romilda et Atalanta - Andrea Mastroni
Il Pomo d'Oro
Maxim Emelyanychev , direction

Argument - https://operabaroque.fr/HAENDEL_SERSE.htm
Livret – https://www.chandos.net/chanimages/Booklets/CH0797.pdf (p. 82ff)
YouTube - https://www.youtube.com/playlist?lis...WbQpb-ZzB0w6QY
Internet Archive - https://archive.org/details/serse-hwv-40-acts-2-3

Ernest Ansermet A la Carte

Notre montage # 399 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast399

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Billet Original - MQCD, Blogger

Nos deux derniers B+B pour 2022 (et la conclusion de notre longue série) alimentent nos initiatives de conservation entreprises ces dernières années.

Cet avant-dernier montage fait partie de notre série A La Carte qui reconsidère d'anciens montages, en l'occurrence une étrange Revanche du Vinyle de 2016 que nous intitulons plus justement "Revanche de la Bande Magnétique" car il présentait deux cassette VIVA du label London avec le chef d'orchestre suisse Ernest Ansermet. La série VIVA était une plate-forme de réédition à petit budget à une époque où les sorties numériques commençaient à envahir les rayons, remplaçant souvent ces excellents enregistrements, qui méritaient bien d'être réédités. Le format de ces rééditions était sur  cassette et microsillon, pas de CD.

La première cassette du montage original consistaint des suites nos. 2 et 3 avec une paire de pistes de instrumentales de ses cantates en prime. Ansermet, au moment de la sortie originale, a également publié une paire d'albums de Cantates de Bach, que London/Decca a ensuite combiné avec ce disque dans une anthologie Bach de 2 CD par Ansermet.

Le montage insère Cantate no. 130 entre les faces A et B originales de la cassette VIVA.

Bon souvenir!

Jean Martinon (1910-1976)

Notre montage # 398 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast398

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Le B+B de cette semaine reprend un fil que nous avons entrepris dans le cadre des Routes du Laitier – des montages où figurent des chefs qui ont plus d’une corde dans leur arc. Dans ce cas-ci, le chef et compositeur Jean Martinon.

Martinon entre au conservatoire de Lyon, sa ville natale,  à l'âge de treize ans. Trois ans plus tard, il quittera pour entrer au Conservatoire national de musique et de déclamation à Paris. Il y travaille le violon, la comosition (avec Albert Roussel et Vincent d'Indy), et la direction d'orchestre (avec Roger Désormière et Charles Munch). Un apprentissage de choix!

Travaillant surtout comme violoniste après ses études, il aura l’infortune d’être prisonnier de guerre pendant deux ans, interné dans un stalag, il y compose plusieurs œuvres pour solistes, petits ensembles et pour chorale.

C’est après la guerre qu’on trouve Martinon au pupitre d’orchestres : premier chef de l'Orchestre symphonique de la radio de Dublin (1947-1950), Colonne, Pasdeloup, et la Société des Concerts du Conservatoire comme suppléant de Charles Munch.

De 1946 à 1948, il est chef associé de l'Orchestre philharmonique de Londres; c’est avec cet orchestre qu’on le retrouve en lever de rideau de notre montage, avec trois ouvertures opératiques françaises du XIXe siècle.

De 1951 à 1958, il est président et chef d'orchestre des Concerts Lamoureux à Paris, puis directeur artistique de l'Orchestre philharmonique d'Israël (1957-1959). En 1959, il est nommé au poste de directeur général de la musique à Düsseldorf (poste prestigieux occupé au xixe siècle par Schumann et Mendelssohn). Puis sa carrière le mène aux États-Unis où, en 1963, il devient directeur musical de l'orchestre symphonique de Chicago. De retour à Paris, il devient directeur de l'Orchestre national de l'ORTF, poste qu'il occupe pendant six ans. On le retrouve avec eux sur le montage pour les danses bohémiennes de Bizet.

En dépit d’un agenda chargé, il trouve le temps de composer tout au long de sa carrière. En guise d’exemple, j’ai retenu un de ses quatuors à cordes datant de 1966.

Bonne écoute!

David Zinman dirige Richard Strauss

Le billet su ivant est un de mes Quinze que j'en pense pour le mois de novembre 2022.

Le partage Intégralement Vôtre pour le mois de novembre propose trois extraits de la quasi-intégrale Richard Strauss conçue par le chef Américain David Zinman. Son anthologie se compare quand même plutôt bien à celle de Rudolf Kempe que nous avons considérée dans ces pages il y a quelques années déjà.

La formation de Zinman se compare à bien d’autres chefs de sa génération : comme Lorin Maazel, il fera son apprentissage avec le chef Pierre Monteux à son académie de Nouvelle-Angleterre. Zinman, comme son maître, a un penchant pour le répertoire romantique (pas seulement le répertoire français…) et moderne, et se veut un assez bon « généraliste ». Bien qu’il est reconnu pour un stage assez long aux commandes d’un grand orchestre Américain (Baltimore, 1985-98), il a surtout roulé sa bosse en Europe – aux Pays Bas en début de carrièere et pour une prériode de près de 15 ans, à Zurich, l’orchestre avec lequel il conçoit cette intégrale Strauss.

L’hyperlien YouTube ci-dessous pointe vers l'anthologie complète, mais le montage que j'ai préparé se concentre sur trois œuvres, dont le grand poème symphonique Also Sprach Zarathustra. Aus Italien (trad. Lit. En provenance d’Italie), le premier poème symphonique de Strauss, est décrit par le compositeur comme une "fantaisie symphonique". Il a été achevé en 1886 alors qu'il avait 22 ans. Il a été inspiré par la visite du compositeur en Italie au cours de l'été de la même année, où il s'est rendu à Rome, Bologne, Naples, Sorrente, Salerne et Capri. Il a commencé à esquisser le travail alors qu'il était encore en voyage.

La Romanze en un seul mouvement pour violoncelle et orchestre de Strauss a été composé à peu près en même temps que sa sonate pour violoncelle. La pièce a fini par être oubliée, mais a finalement été publiée par Schott en 1987.

Bonne écoute!

Richard STRAUSS (1864-1949)

Aus Italien, fantaisie symphonique pour orchestra en sol majeur, TrV 147 [Op.  16]

Romanze en fa majeur pour violoncelle et orchestre, TrV 178 [AV 75]

Violoncelle  – Thomas Grossenbacher

 

Also Sprach Zarathustra , poème symphonique pour orchestra après Nietzsche, TrV 176 [Op. 30]

Violon solo  – Primož Novšak

Tonhalle-Orchester Zürich

Direction  – David Zinman

Discogs - https://www.discogs.com/release/20611123-Richard-Strauss-Tonhalle-Orchestra-Zurich-David-Zinman-Orchestral-Works

Arte Nova Classics – 74321 98495 2

Format: 7 x CD

YouTube - https://www.youtube.com/playlist?list=PLt_iN-ytBvZxyzGsOuVfSVkSKXpJ4YXRJ

Internet Archive  - https://archive.org/details/c2c-46

 

L'imposteur

Notre Montage #397 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast397

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Le B+B de cette semaine (et notre billet Quinze que j’en pense pour la deuxième quinzaine d’octobre) a un thème plutôt étrange, que nous avons déjà rencontré dans de rares cas – des performances qui impliquent, eh bien, des imposteurs.

Il y a une histoire tristement célèbre impliquant des enregistrements attribués à la regrettée grande pianiste britannique Joyce Hatto lorsque, au cours de ses dernières années, plus de 100 enregistrements lui furent faussement attribués. Les enregistrements ont été publiés, ainsi que des enregistrements de piano faussement attribués à Sergio Fiorentino, par le label Concert Artist Recordings dirigé par le mari de Hatto, William Barrington-Coupe, qui avait une carrière dans l'industrie du disque.

Le résultat d'un tel subterfuge, en quelque sorte, est la méfiance des acheteurs de disques !

D'une certaine manière, cette situation a été largement exacerbée par l'essor des petites maisons de disques au début de l’ère numérique. Qui n'a pas fouillé dans les bacs à CD des pharmacies et des magasins à bas prix ? Un label classique populaire était Point Classics, unemultinationale de musique classique, spécialisée dans les sorties à budet. Après la faillite de la société mère du label en 1993, le catalogue a été acquis par Telos Holdings Inc qui l'a vendu à One Media iP Ltd en 2014. Le label et son catalogue sont toujours actifs et distribués / vendus sous de nombreuses étiquettes budgétaires différentes.

Il existe un sous-ensemble du catalogue Point Classics qui crédite des artistes qui n'ont jamais été vus ou entendus lors d'une performance publique. Le producteur le plus prolifique de telles performances était Alfred Scholz.

Selon discogs, Alfred Scholz était un producteur prolifique d'enregistrements à petit budget, qui vendait frauduleusement des enregistrements d'artistes et d'orchestres inexistants. Parfois, les noms de personnes réelles étaient crédités pour des performances qui n'étaient pas les leurs. Travaillant comme chef d'orchestre, il s'est produit sous le couvert d'Alberto Lizzio ainsi que de nombreux autres noms

"Alberto Lizzio" était un pseudonyme utilisé par Scholz et attaché à des enregistrements plus anciens qu'il a obtenus puis crédités à des artistes inexistants comme Hans Swarowsky (qui était un vrai chef d'orchestre et aussi le professeur de Scholz) ou lui-même. "Hans Zanotelli" (le nom d'un vrai chef d'orchestre et également camarade de classe de Scholz) était un autre nom utilisé frauduleusement sur les disques d'Alfred Scholz, tout comme Milan Horvat et Carl Melles.

On ne sait pas si Alfred Scholz était un vrai chef d'orchestre qui était aussi un fraudeur, ou l'auteur de la fraude, qui utilisait son nom ainsi que de nombreux autres, réels ou imaginaires, comme "chefs d'orchestre" sur ses enregistrements.

L'orchestre le plus couramment utilisé par Scholz dans ses productions falsifiées était la Süddeutsche Philharmonie. Si l'attribution est correcte, il s'agissait à l'origine d'un ensemble de courte durée assemblé par Scholz à partir de membres de l'Orchestre philharmonique tchèque de Prague et de l'Orchestre symphonique de Bamberg vers 1968. D'autres orchestres inexistants dirigés par des chefs d'orchestre inexistants incluent Philharmonia Slavonica, London Festival Orchestra et New Philharmonic Orchestra.

Plusieurs dizaines de labels à petit budget utilisent les enregistrements obtenus à l'origine d'Alfred Scholz, qui possédait un catalogue d'environ 2000 titres. La plupart d'entre eux étaient d'anciens enregistrements analogiques réalisés entre 1968 et 1970 pour Polyband et Primaton et par la radio autrichienne avant 1977. Les enregistrements de la radio autrichienne ont été vendus en 1977 à PREMIS, une société détenue ou contrôlée par Scholz. Son catalogue comprend également un nombre limité d'enregistrements numériques légitimes réalisés en Angleterre (Londres), en Slovénie (Ljubljana), en Slovaquie (Bratislava) et en Hongrie (Budapest).

Veuillez vous référer à cet article pour un aperçu du catalogue Scholz et comment reconnaître ses sorties.

Le montage d'aujourd'hui rassemble un certain nombre de ces performances, y compris le concerto pour piano du couronnement de Mozart et d'autres classiques bien connus qui peuvent (ou non…) être interprétés par les artistes référencés.

Bonne écoute!

Mozart, Vladimir Ashkenazy – -Concertos 1–6 · Concerto pour 3 pianos

 

Le billet su ivant est un de mes Quinze que j'en pense pour le mois d'octobre 2022.

Au fil des ans, nous avons exploré les concertos pour piano de Mozart dans plusieurs de nos billets. Dans le processus, nous avons présenté plusieurs enregistrements de pianistes et avons souvent utilisé deux "cycles" - le cycle Geza Anda des années 1960 et le cycle Vladimir Ashkenazy des années 1980.

Pour octobre, sur notre cjaime Pod-O-Matic nous recyclons plusieurs de ces montages, et dans le cadre de ce projet, nous publions cet extrait partiel de deux CD Intégtalement Vôtre du cycle Ashkenazy, comprenant les six premiers concertos et le triple concerto.

Les concertos nos 1 à 4 (K. 37, 39, 40 et 41) sont des arrangements pour orchestre et pour clavier de mouvements de sonate d'autres compositeurs. Les trois prochains concertos (K. 107/1, 2 et 3), présentés sur notre chaîne le 4 octobre, sont des arrangements de sonates pour piano de J.C. Bach (Op 5. Nos. 2, 3 et 4, tous composés par 1766 ).

Le Concerto n ° 5, K. 175 de 1773 était son premier véritable effort dans le genre, et celui qui s'est avéré populaire à l'époque. Le Concerto n° 6, K. 238 de 1776 est le premier concerto proprement dit de Mozart à introduire un nouveau matériau thématique dans la première section solo du piano. Le Concerto n° 7, K. 242 pour trois pianos est assez connu.

London/Decca a réédité plusieurs fois l'ensemble complet d'Ashkenazy avec l'orchestre Philharmonia dans des coffrets, mais l'ensemble d'aujourd'hui a été publié en tant que collection autonome. Les concertos multi-claviers (7 et 10) font appel à la collaboration d'Ashkenazy sur un autre cycle paru chez London/Decca par Daniel Barenboim. Le lien YouTube présente le cycle complet, pas seulement les sept premiers.

Bonne écoute!

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Tous ces cobcerti Vladimir Ashkenazy, piano

Concerto No.1 en fa majeur, K.37
Concerto No.2 en si bémol majeur, K.39
Concerto No.3 en ré majeur, K.40
Concerto No.4 en sol majeur K.41
Concerto No.5 en ré majeur, K.175
Concerto No.6 en si bémol majeur, K.238
Philharmonia Otchestra
(Ashkenazy dirige du clavier)

Concerto No.7 rn fa majeur, pour 3 pianos, K.242 ('Lodron')
Fou Ts'Ong, piano
English Chamber Orchestra
Daniel Barenboim, dirigeant du clavier

Cadences de Vladimir Ashkenazy sauf – K40 I, K175 I-II, K238 & K242: Wolfgang Amadeus Mozart; K175 III: Paul Badura-Skoda

Lieux d'enregistrement: Kingsway Hall, avril 1972 (K242), Walthamstow Assembly Hall, mai 1986 (K175), octobre 1986 (K238), Eglise St Barnabas' mai 1987 (K37, K39-41)

London Records – 421 577-2
Format: 2 x CD, Compilation, Stereo


Discogs - https://www.discogs.com/release/1959...os-16-Concerto

YouTube - https://youtube.com/playlist?list=PL...Tll6fbJIraLYMa

Internet Archive - https://archive.org/details/c-2-c-45...no-concertos-5

Alfred Brendel & Mozart

Notre montage # 396 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast396

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Ce noulveau B+B propose le pianiste Alfred Brendel dans trois œuvres de Mozart – sa sonate pour piano no. 14 et les concertos 11 et 21. Alors que nous approchons de la fin de cette série, je ne crois pas que nous ayons partagé de morceaux mettant en vedette Brendel – certainement, nous n’avons pas fait de lui l'artiste central de l'un d'entre eux, contrairement à d'autres pianistes. Il est temps d'arranger ça !

Né dans ce qui est aujourd'hui la République tchèque dans une famille non musicale, Brendel et sa famille ont déménagé plusieurs fois avant de s'installer à Graz, en Autriche, où il a étudié le piano avec Ludovica von Kaan au Conservatoire de Graz et la composition avec Artur Michel. Vers la fin de la Seconde Guerre mondiale, Brendel, 14 ans, a été renvoyé en Yougoslavie pour creuser des tranchées. Après la guerre, il n'a jamais poursuivi sa formation formelle de pianiste et a été en grande partie autodidacte après l'âge de 16 ans. À bien des égards, je pense que la formation musicale de Brendel est comparable à celle de Sviatoslav Richter.

À 17 ans (pas moins !), Brendel a donné son premier récital public à Graz qu'il a appelé à la "La fugue dans la littérature pour piano" avec des fugues de Johann Sebastian Bach, Johannes Brahms et Franz Liszt, ainsi que les siennes. En 1949, il remporte le quatrième prix du concours Busoni à Bolzano, en Italie. Il parcourt ensuite l'Europe et l'Amérique latine, construisant lentement sa carrière et participant à quelques masterclasses de Paul Baumgartner, Eduard Steuermann et Edwin Fischer.

Quelque soixante-cinq ans plus tard, Brendel est reconnu comme l'un des meilleurs interprètes du répertoire pour piano allemand et a joué relativement peu d'œuvres du XXe siècle, mais a interprété le Concerto pour piano d'Arnold Schoenberg. Il fut le premier interprète à enregistrer l'intégrale des œuvres pour piano solo de Beethoven. Il a également enregistré des œuvres de Liszt, Brahms (dont les concertos), Robert Schumann et surtout Franz Schubert.

Le jeu de Brendel est parfois décrit comme étant " cérébral ", et il a dit qu'il croyait que la responsabilité première du pianiste était de respecter les souhaits du compositeur sans façon, ni ajouter sa propre touche à la musique : " Je suis responsable devant le compositeur, et particulièrement à la pièce". Brendel cite, outre son mentor et professeur Edwin Fischer, les pianistes Alfred Cortot, Wilhelm Kempff et les chefs d'orchestre Bruno Walter et Wilhelm Furtwängler comme des influences particulières sur son développement musical.

En novembre 2007, Brendel a annoncé qu'il se retirerait du public après son concert du 18 décembre 2008 à Vienne. Son dernier concert à New York a eu lieu au Carnegie Hall le 20 février 2008, avec des œuvres de Haydn, Mozart, Beethoven et Schubert.

Une collection importante d'Alfred Brendel est l'intégrale des concertos pour piano de Mozart enregistrés avec Sir Neville Marriner et l'Académie de St Martin in the Fields ; les deux concertos présentés aujourd'hui sont issus de cettte intégrale.

Bonne écoute!

Mahler: Symphony No. 9 - Bruno Walter Conducts the Columbia Symphony Orchestra

 

Le billet su ivant est un de mes Quinze que j'en pense pour le mois de septembre 2022.

Sur notre chaîne Pod-O-Matic, nous présentons de vieux et de nouveaux partages des symphonies de Gustav Mahler. Aujourd'hui, la Revanche du Vinyle partage une réédition de la Neuvième symphonie de Mahler, avec Bruno Walter et le "Columbia Symphony Orchestra".

Commençons par établir l'orchestre. Selon les données que j'ai recueillies, cette performance a été enregistrée le 26 janvier 1961 à l'American Legion Hall à Hollywood; il s'agit donc d'une incarnation californienne du Columbia Symphony - utilisant probablement les mêmes musiciens que Stravinsky utiliserait localement pour ses enregistrements légendaires du 80e anniversaire pour le même label. Je m'attendrais à ce que beaucoup soient membres de l'Orchestre philharmonique de Los Angeles et des musiciens contractuels des studios de cinéma.

Comme l’histoire nous rappelle, la Neuvième de Mahler est sa dernière symphonie "complète" (c'est-à-dire composition et orchestration) et n'a jamais été jouée du vivant de Mahler ; Walter, à qui l'œuvre est dédiée, dirigea sa première représentation le 26 juin 1912, au Festival de Vienne.

Bien que la symphonie suive la forme habituelle en quatre mouvements, elle est inhabituelle en ce que le premier et le dernier sont lents plutôt que rapides. Comme c'est souvent le cas chez Mahler, l'un des mouvements du milieu est un ländler. Bien que l'œuvre soit souvent décrite comme étant dans la tonalité de ré majeur, le schéma tonal de la symphonie dans son ensemble est progressif ; tandis que le mouvement d'ouverture est en ré majeur, le finale est en ré bémol majeur. Comme c'est le cas pour ses dernières symphonies, l'œuvre ne nécessite pas seulement un grand orchestre (comprenant des clarinettes en la, si bémol et mi bémol, deux harpes et un large éventail d'instruments à percussion), elle dure bien plus d'une heure.
La discographie de Walter comprend au moins deux enregistrements de la Neuvième - un concert de 1938 avec l'Orchestre philharmonique de Vienne et cet enregistrement en studio de 1962. Il pourrait bien y avoir d'autres performances publiques croquées sur disque en cours de route.

Comme le dit un critique, le neuvième de Mahler est un peu comme Hamlet - il y a une vaste place pour des interprétations variées. L'enregistrement stéréo de Bruno Walter est indispensable pour une vision claire de l'approche non névrosée de l'œuvre.

L'enregistrement a été retapé à de nombreuses reprises – celui de ma propre collection fait partie de la série de rééditions Odyssey « à bas prix » – et plus récemment sur l'édition Walter complète de Sony. Il s'agit d'une version superlative qui appartient à la collection de tous les passionnés de Mahler ; le son de l'original était étonnant en son temps, et l'est toujours.

Bonne écoute!



Gustav MAHLER (1860-1911)
Symphonie no. 9 en ré majeur (1908- 09)
Columbia Symphony Orchestra
Bruno Walter, direction
Lieu d’enregistrement American Legion Hall, Hollywood (26 janvier 1961)
Odyssey – Y2 30308
Format: Album double, Stéréo (réédition, 1971)

Discogs - https://www.discogs.com/release/3399...-Symphony-No-9

Internet Archive - https://archive.org/details/mahler-symphony-n-9

Camerata Romana, Eugen Duvier, Antonio Vivaldi – L'Estro Armonico Op.3

 

Le billet su ivant est un de mes Quinze que j'en pense pour le mois de septembre 2022.

Avec quelques jours de retard, notre premier quinze que j’en pense pour l’automne 2022 est de la série Intégralement Vôtre, et propose l’intégrale de L'estro armónico de Vivaldi.

L'estro armonico (trad. Lit. L’inspiration harmonique) est un ensemble de 12 concertos pour instruments à cordes publié pour la première fois à Amsterdam en 1711. L'estro armonico était le premier recueil de concertos de Vivaldi à paraître.
Chaque concerto était imprimé en huit parties : quatre violons, deux altos, violoncelle et continuo. La partie de continuo a été imaginée comme une basse pour violone et clavecin. Les concertos appartiennent au format concerto a 7, c'est-à-dire : pour chaque concerto, il y a sept parties indépendantes.

Dans chaque groupe consécutif de trois concertos, le premier est un concerto pour quatre violons, le second pour deux violons et le troisième un concerto pour violon seul. Le violoncelle obtient des passages solistiques dans plusieurs des concertos pour quatre et deux violons, de sorte que quelques-uns des concertos se conforment au format traditionnel du concerto grosso italien où un concertino de deux violons et violoncelle joue en contraste avec un orchestre à cordes.

Les performances remontent aux débuts de l'ère numérique, lorsque le label Point Classics a publié un bon nombre de performances honnêtes à bas prix– plus à ce sujet et à propos du chef d'orchestre Alfred Schotz dans un montage en octobre.

Les enregistrements ont été souvent réédités, soit sous forme de deux CD séparés, soit sous la forme d'un ensemble de 2 CD. Le deuxième CD (concerti 8-12) ajoute un concerto de La Stravaganza (op. 4, no. 2) en complément de programme.

Bonne écoute !

Antonio VIVALDI (1678-1741)
L'estro armonico, 12 concertos pour 1-4 solistes, cordes et basse continue, Op. 3 (1711)

(CD 1)
No.1 en ré majeur, RV549
No.2 en sol mineur, RV578
No.3 en sol majeur, RV310
No.4 en mi mineur, RV550
No.5 en la majeur, RV519
No.6 en la mineur, RV356
No.7 en fa majeur, RV567

Classical Gallery – CLG 7108
Discogs - https://www.discogs.com/release/1864...co-Op3-Nos-1-7
YouTube - https://youtube.com/playlist?list=OL...xwSR8NTXCVT4CI

(CD 2)
No.8 en la mineur, RV522,
No.9 en ré majeur, RV230
No.10 en si mineur, RV580
No.11 en ré mineur, RV565
No.12 en mi majeur, RV265

BONUS - "La Stravaganza" ( Op. 4 No. 2 ) Concerto en mi bemol majeur RV 279

Classical Gallery – CLG 7109
Discogs - https://www.discogs.com/release/1494...oncertos-Op42-
YouTube - https://youtube.com/playlist?list=OL...73VbFQO3kdeDzw

Camarata Romana
Eugen Driver, direction
Internet Archive - https://archive.org/details/01-c-2-c...i-concertos-op.

Mahler: Symphonie no. 5

–	Notre montage # 395 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast395

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Dans ce deuxième de deux B+B mettant en vedette Hermann Scherchen dirigeant le répertoire allemand, et également dans le cadre de notre revue des symphonies de Gustav Mahler, le montage d'aujourd'hui présente son enregistrement Westminster de 1952 de la cinquième symphonie de Mahler.

Le site discogs suggère que Scherchen a enregistré presque toutes les symphonies de Mahler (en studio et en concert) - étonnamment, il n'a pas enregistré la quatrième, bien qu'il ait enregistré deux cycles de chansons (kindertottenlieder et les chants du compagnon errant).

On nous assure souvent que les grands chefs d'orchestre d'une génération antérieure interprétaient Mahler sans les «excès» d'un Leonard Bernstein‚ en supposant toujours qu'ils le jouaient. Mais il y a une qualité plus frappante et plus stupéfiante dans la direction de Scherchen qui a fait de ses enregistrements de Mahler sont très prisés. Après avoir consacré sa carrière à la promotion de la musique contemporaine‚ Scherchen a laissé relativement peu d'enregistrements en studio‚ mais sa réputation d'érudit et son style de direction sobre et objectif sont démentis par le pouvoir communicatif chauffé à blanc (et‚ il faut le dire‚ les fréquentes défaillances techniques) de ces vieux disques mono.

On offre ici à bien des égards très convaincante. Toutefois, à maintes reprises, l'intensité et le dynamisme de la conception de Scherchen sont anéantis par l'incapacité de ses joueurs à suivre le rythme.

L'examen se poursuit avec de nombreux exemples de l'orchestre (que j'ai toujours pensé être un alias pour les membres de l'Orchestre philharmonique de Vienne…) en deçà de la performance envisagée par le chef d'orchestre; néanmoins‚ Scherchen et ses forces viennoises nous offrent un morceau d'histoire qui appartient à toute collection sérieuse de Mahler.

Pour plus d'informations sur l’œuvre elle-même, j vous propose de relire un vieux Mardi en Musique de 2018.

Bonne écoute!

Herrmann Scherchen (1891-1966)

Notre montage # 394 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast394

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Le B+B de cette semaine est le premier d'une paire mettant en vedette le chef d'orchestre Hermann Scherchen, qui a réalisé plusieurs enregistrements intéressants pour le label Westminster à la fin des années 1950 et au début des années 1960. Son répertoire enregistré était extrêmement large, allant de Vivaldi à Reinhold Glière.

Altiste à l'origine, Scherchen a joué parmi les altos de l'Orchestre Bluthner de Berlin alors qu'il était encore adolescent. Il dirigea à Riga de 1914 à 1916 et à Königsberg de 1928 à 1933, après quoi il quitta l'Allemagne en protêt contre le nouveau régime nazi et travailla en Suisse.

Scherchen a joué un rôle de premier plan dans la formation de la vie musicale de Winterthur (dans le canton de Zurich) pendant de nombreuses années, avec de nombreuses créations, l'accent étant mis sur la musique contemporaine. De 1922 à 1950, il est le chef principal de l'orchestre municipal de Winterthur (aujourd'hui Orchester Musikkollegium Winterthur).

Faisant ses débuts avec Pierrot Lunaire d'Arnold Schoenberg, il était un champion des compositeurs du XXe siècle tels que Richard Strauss, Anton Webern, Alban Berg et Edgard Varèse, et a activement promu le travail de jeunes compositeurs contemporains tels que Iannis Xenakis, Luigi Nono et Leon Schidlowsky.

Scherchen a enregistré un répertoire inhabituellement large, du baroque au contemporain. Ses enregistrements Mahler, réalisés avant que Mahler ne fasse partie du répertoire standard, ont été particulièrement influents; il en était de même pour ses enregistrements de Bach et de Haendel, qui ont contribué à ouvrir la voie au mouvement de pratique de la performance « authentique ». Ont également été inclus d'importants enregistrements de musique de Haydn, Beethoven, Berlioz, Tchaïkovski, Glière, Bartók, Schoenberg et bien d'autres.

Nous avons présenté plusieurs de ses enregistrements Westminster des symphonies londoniennes de Haydn dans le cadre de Jadis sur Internet. J'ai programmé son enregistrement de la symphonie no. 102 ici aujourd'hui.

Scherchen est probablement mieux connu pour son arrangement orchestral (et son enregistrement) de L'Art de la fugue de Bach, cependant, l'œuvre principale aujourd'hui est un autre ensemble de variations pour clavier, son Offrande musicale.

Toutes les airs qui constituent cet opus reposent sur un thème musical unique donné à Bach par Frédéric le Grand (roi Frédéric II de Prusse), à qui elles sont dédiées. Elles furent publiées en septembre 1747. Le Ricercar a 6, une fugue à six voix qui est considérée comme le point culminant de toute l'œuvre, est aussi parfois appelée Fugue prussienne, sobriquet utilisé par Bach lui-même.

Le "Ricercar a 6" a été arrangé seul à plusieurs reprises, l'arrangeur le plus important étant Anton Webern, qui en 1935 a fait une version pour petit orchestre, connue pour son style Klangfarbenmelodie (c'est-à-dire que les lignes mélodiques sont transmises d'un instrument à l'autre toutes les quelques notes, chaque note recevant la "couleur de ton" de l'instrument sur lequel elle est jouée).

Selon Discogs, Schechen a fait deux enregistrements de l’offrande musicale, tous deux basés sur un arrangement pour petit orchestre datant de 1937 par le compositeur suisse Roger Vuataz - un pour Westminster de 1951 et celui-ci (que j'ai téléchargé depuis LiberMusica) de 1949 avec les premiers pupitres de l’orchestre de la radiodiffusion berlinoise.

Bonne écoute!

Toutes bonnes choses…

En septembfe je publie généralement une mise à jour trimestrielle de la programmation et taquine les grandes lignes du reste de l'année, mais ce billet sera un peu différent.

Après mûre réflexion au cours des derniers mois, et compte tenu de la charge que cette activité occupe, j'ai décidé que mon 400e montage sera mon dernier, et que nous mettrons fin à nos activités régulières à la fin de l'année. Pas une décision facile pour moi…

Lorsque nous avons commencé il y a un peu plus de 10 ans, le paysage de l'accessibilité de la musique classique était en pleine transformation - les services de radio terrestre ont été transformés par l'avènement des services de podcasting et de streaming, et l'accès à la musique classique "à demande" est plus accessible et répandu. Je crois que le besoin de ma modeste contribution est passé.

Quand j'attendais avec impatience la retraite, je pensais que j'aurais plus de temps à consacrer à cette activité, mais il s'avère que je me sens plus occupé maintenant que lorsque je travaillais à temps plein! C'est peut-être une chose temporaire (la vente de la maison et l'emménagement dans une nouvelle étant une préoccupation majeure au cours des derniers mois), mais je me sens constamment en  rattrapage et incapable de prendre de l’avance comme jadis.

Je n'ai pas tout à fait décidé si ce sera une longue pause, un arrêt complet ou quelque chose entre les deux - j'ai quelques mois pour y penser. A suivre en décembre…

Programmation septembre-décembre

Comme je le fais depuis juin, nous aurons des diffusions régulièeres (plutôt que quotidiennes), suivant de grands arcs :

Pour septembre, nous revisiterons les symphonies de Mahler (avec un QQJP et un montage alimentant l’arc) ;

Pour octobre, nous revisiterons les concertos pour piano de Mozart (avec un QQJP et un montage alimentant alimentant cet arc);

Novembre est ouvert en ce moment, probablement utilisé pour ramener du matériel "In Memoriam" (dont un montage dédié à Jean Martinon dont l'anniversaire de la mort aurait dû être soulignè l'année dernière)

Pour décembre, retour à Tchaïkovski avec un billet (400^e montage) et QQJP consacrés à ces tris grands ballets.).

Il nous reste encore plusieurs semaines de Lundi avec Ludwig, et notre abécédaire opératique avec deux « nouvelles » grandes œuvres prévues pour les lettres U et X.

Bonne écoute !

Vitrine Saint-Saëns (2ie de 2)

Notre montage # 393 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast393

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Pour le deuxième de deux B+B, j'ai préparé un programme tout Saint-Saëns, avec cette fois deux concertos pour piano, une symphonie et une courte pièce orchestrale.

Le corpus qui compose ses cinq concertos pour piano offre un parcours chronologique à travers une grande partie de sa carrière : la période de composition s'étend de 1858 à 1896.

Un point culminant du n ° 3 est le deuxième mouvement Nocturne, avec sa mélodie tendre, tandis que le n ° 4 présente des mélodies d'hymne et des fanfares de cuivres éblouissantes. Ces performances sont extraites du cycle Pascal Rogé sous la direction de Dutoit. Dutoit dirige également la Marche Héroïque, utilisée comme un entr'acte entre les deux concertos.

La Deuxième Symphonie, écrite quelque sept ans après la Première, fait preuve de plus d'imagination, d'ingéniosité et d'élégance dans, par exemple, l'utilisation d'une fugue comme base du mouvement d'ouverture. La nouvelle Symphonie ne sera jouée qu'en 1862, sous la direction de Jules Pasdeloup à qui l'œuvre est dédiée. Il est écrit avec plus de parcimonie que la Première Symphonie. Après beaucoup de matière affirmée, le bref deuxième mouvement est de caractère hésitant et délicat et marche avec délicatesse. Il y a beaucoup à rappeler la gentillesse du XVIIIe siècle. Le troisième mouvement de scherzo qui suit, avec d'intéressants rythmes croisés élastiques, sautille avec assurance et l'œuvre se termine par une tarentelle ensoleillée qui rappelle Mendelssohn.

Bonne écoute!

Vitrine Saint-Saëns (1er de 2)

Notre montage # 392 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast392

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Pour les deux prochains B+B, j'ai préparé une paire de programmes tout Saint-Saëns. Le modèle que j'ai adopté pour les deux montages est de compléter le cycle de concertos pour piano (en s'appuyant sur les concertos 2 et 5 partagés plus tôt sur notre chaîne de baladodiffusion) en en présentant un ici (et deux la semaine prochaine), une symphonie et une courte pièce orchestrale.

En plus du Premier concerto (extrait, comme les deux la semaine prochaine du cycle Pascal Rogé sous la direction de Dutoit), le partage d'aujourd'hui comprend une paire de courtes pièces pour instrument à vent, l'une avec accompagnement d'orchestre l'autre avec accompagné à la harpe.

La pièce d'ouverture, Phaéton, est un court poème symphonique inspiré du mythe grec sur le fils de l'Océanide Clymène et du dieu solaire Hélios. Désireux de faire confirmer sa filiation, il se rend au palais du dieu soleil à l'est. Là, il est reconnu par son père, et lui demande le privilège de conduire son char un seul jour. Cette balade ne se termine pas bien…

Prodigieusement doué, Saint-Saëns entre au Conservatoire de Paris en 1848, à l'âge de 13 ans. Il y découvre les symphonies des grands compositeurs allemands et autrichiens et commence bientôt à s'essayer au genre. La Symphonie en la majeur est issue de cette période et bien qu'elle n'ait probablement jamais été jouée de son vivant, elle démontre pleinement son talent exceptionnel.

Bonne écoute!

Haydn Symphonies No. 78-81

Notre montage # 391 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast391

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Au cours des dernières semaines, nous avons entrepris un survol des symphonies tardives de Haydn, allant des six symphonies dites de Paris aux 12 symphonies de Londres.

Pour clore cette revue, je vous propose un groupe de quatre symphonies (nos 78 à 81) qui précèdent immédiatement l'ensemble parisien.

Peu de compositeurs montrent une croissance aussi remarquable que Haydn ; de ses pièces de jeunesse insignifiantes, entièrement dominées par le style de ses aînés préclassiques, à l'aboutissement imposant de ses dernières œuvres, ses symphonies affichent une évolution de forme et de contenu qui a eu un effet considérable sur ses disciples.

Permettez-moi de faire une déclaration audacieuse - si jamais vous faites 104 trucs originaux d'un certain type, il y a de fortes chances que certains se ressemblent étrangement Pas identiques - après tout, ils sont tous uniques - mais à bien des égards, ils auraient des points communs Dans le cas de Haydn, il s'agit de "la formule". D'une certaine manière, la production d'autant de symphonies est grandement facilitée par une approche stéréotypée. Mais appeler cela un style "emporte-pièce" est exagéré. Tour à tour rigoureusement contrapuntique et lucide d'esprit, la vitalité évidente de la formule reflète l'aventure débordante de Haydn.

Il n'y a pas deux mouvements identiques ; la « mosaïque » des éléments de thème imprègne même les sections de transition et les codas ; chaque instrument participe au développement mélodique ; les menuets croissent en fougue ou en dignité tandis que les finales exploitent des variétés de forme rondo. La formule atteint son apogée dans les symphonies de Londres, mais même les quatre œuvres présentées aujourd'hui illustrent la variété des méthodes de Haydn.

Bonne écoute!