Bienvenue à l'Idée Fixe!

Notre programmation thématique

Visitez notre étiquette "Programmation" pour un survol de nos propos ce mois-ci

Votre Rendez-Vous pour la Grande Musique

Blogs, vidéos, playlists et beacoup de musique! Furetez nos pages et vous serez conquis!

L'Idée Fixe ici... et ailleurs

Visitez nos plateformes pour encore plus de réflexions et de musique!

Vous cherchez de titres pour votre collection?

Notre contenu et nos tuyaux sont là pour vous aider à parfaire votre bibliothèque musicale.

Looking for English Content?

Visit our sister site "I Think You Will Love This Music Too" for content eerily similar to the one on this site.

mardi 12 décembre 2017

Holst : Les Planètes - Orchestre Symphonique de Montréal


Le billet suivant est mon Mardi en Musique du 12 décembre2017. 


La revanche du viyle propose cette semaine un microsillon datant de trente ans déjà, des belles années de Dutoit à Montréal.

Composées par Gustav Holst entre 1914 et 1916, The Planets est un amalgame de sept poèmes courts, chacun représentant les planètes connues du système solaire à cette époque, et leur caractère astrologique correspondant. Holst semblait considérer les Planètes comme une progression de la vie.

(Plus d'informations sur la signification astrologique de chaque planète peut être trouvé ici – en anglais)

La pièce sugère que Holst était en contact avec ses contemporains musicaux; ill y a des idées évidentes empruntées à SchoenbergStravinski et Debussy (la qualité de "Neptune" ressemble à la musique pour piano de Debussy).

Holst n'a jamais écrit une autre pièce comme The Planets. Il est venu à en détester sa popularité. Le public semblait lui demander plus de musique comme Les Planètes, et sa musique plus tard semblait les décevoir. En fait, après avoir écrit la pièce, il a renoncé à sa croyance à l'astrologie. Quelle ironie que la pièce qui l’a rendu célèbre dans le monde entier lui ai apporté si peu de joie.

Tant qu’à la prestation, j'ai tout simpement ajouté les plages manquantes à celles trouvées sur YouTube.

Je cède le mot de la fin à un commentaire trouvé sur le web:

Perfection des timbres orchestraux, prise de son exemplaire et direction du chef suisse Charles Dutoit qui brille ici de tous ses feux! A savourer sans modération, avec une belle et bonne chaîne haute fidélité.
Bonne écoute!

Gustav HOLST (1874–1934)
The Planets, op. 32
Orchestre Symphonique de Montréal

Choeur des Femmes de l'OSM [”Neptune”] (Iwan Edwards, chef des choeurs)
Charles Dutoit, direction
London Records ‎– 417 553-1 LH
Format: Vinyle, LP, Album (DDA)
Lieu d'enregistrement: L'église de Saint-Eustache, Qc , June 1986.

D’après le site de l’OSM :
Prix JUNO – Canada – novembre 1987
Grand Prix du Disque -Canada – juillet 1988
Edison Award – Amsterdam – 1988
1988 Mumm Champagne Classical Music Award – octobre
Nomination – GRAMMY – janvier 1988

YouTube https://www.youtube.com/playlist?lis...HhUffUlNTwt8sl


Internet Archive https://archive.org/details/05SaturnTheBringerOfOldAge

vendredi 8 décembre 2017

Edwin Fischer (1886 -1960)





Ce billet B + B propose notre montage # 266. Pour l'écouter, il suffit d'utiliser le lecteur Pod-O-Matic intégré au billet.



=====================================================================

Les deux B+B de décembre partagent des prestations de la part de deux pianistes très actifs au milieu du XXième siècle dans des pages de deux compositeurs incontournables en Jean Sébastien Bach et Ludwig van Beethoven.

Le sujet du partage de cette semaine, Edwin Fischer, est considéré comme un des pianistes les plus remarquables du XXième siècle, en particulier dans le répertoire germanique : Bach, Mozart, Beethoven, et Schubert. Il est aussi considéré comme un des meilleurs professeurs de piano des temps modernes.

Né à Bâle Fischer et formé à Berlin au Conservatoire Stern sous la direction de Martin Krause (1853-1918), lui-même élève de Liszt (1811-1886), lui-même élève de Carl Czerny (1791-1857). Après la Première Guerre mondiale, il devint connu comme pianiste. En 1926, il prit la direction d’orchestres de chambre Lübeck, puis, en 1928, à Munich avant de former son propre orchestre de chambre  en 1932.

De manière générale, Edwin Fischer est considéré comme le musicien qui, à son époque, rompt avec les excès de romantisme et de passion dans les interprétations des ouvrages de J.S Bach;  "Donne vie aux œuvres, sans leur faire violence" avait-il écrit. Après lui, on est allé beaucoup plus loin en ce sens, et ses interprétations, même de Bach, restent empreintes de romantisme par opposition au courant dit « authentique » qui prévaut aujourd’hui.

Les enregistrements partagés cette semaine datent des années 1930, y compris un trio de concerti pour clavier (dirigeant son orchestre de chambre éponyme du clavier) et quelques œuvres pour piano seul dont la Fanraisie chromatique avec fugue, BWV 903 et une adaptation signée Busoni du choral Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ, BWV 639.


Bonne écoute!

mardi 5 décembre 2017

Vous appelez-ça une symphonie?



Le Mardi en Musique de cette semaine est une reprise provenant du blog I Think You Will Love This Music Too, datant originalement du 7 juin 2013.

Le montage (# 103) est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: 
https://archive.org/details/Pcast103



Le contenu de la réflexion fut modifiée pour sa reprise sur L'Idée Fixe.


 =====================================================================

Le partage de cette semaine propose un regard particulier sur des œuvres qu’on appelle des symphonies sans toutefois suivre la formule préconisée par les clacissistes.

HaydnMozart et tant d’autres composèrent des symphonies qui suivent une forme typiquement étalée sur quatre mouvements sonate/lent/danse/finale. Toutefois è l’oirigine, la symphonie (ou sinfonia) s’associe plutôt à ce qu’on appelle une ouverture.

Dans le cas des compositeurs baroques tels Bach et Telemann, une ouverture est une suite de miniatures (souvent des danses). Pour d’autres compositeurs, ouverture signifie prélude, ou une pièce d’entrée pour une œuvre de scène. D’ailleurs, Verdi et Rossini feront référence à leurs ouvertures usant spécifiquement du mot sinfonia.

La pièce d’entrée de notre montage est la 32e symphonie de Mozart. En fait, comme sa 7e qui s’inspire ou recycle son ouverture pour son court opéra La finta semplice, cette symphonie a comme sous-titre (selon un vieux disque de ma collection) d’ouverture dans le style Italien.

Stravinski suit Mozart avec une oeuvre qui date de 1920, donc peu de temps après son exil de Russie. Ses symphonies d’instruments à vents a un titre qui se distingue par l’usage du pluriel. En fait, ce choix fait référence aux compositeurs baroques français (tels Mouret) et l’atmosphère de leurs œuvres royales (pensons au Symphonies pour les soupers du Roy). Originalement, la mélodie exploitée par Stravinski formait le choral d’un « tombeau de Debussy ». L’atmosphère funèbre survit, et est amplifiée par le savant usage d’une vingtaine d’instruments à vents.

Haydn et Mozart ont tous deux composé des œuvres qui recoupent l’esporit de Vivaldi et Handel et leurs concerti grossi. Ces œuvres, appelées symphonies concertantes, sont en fait des concerti pour groupes de solistes et orchestre. Certains compositeirs romantiques adoptent ce titre pour des œuvres concertantes; Vincent d’Indy met en vedette le piano dans sa symphonie sur des airs montagnards, par exemple. C’est dans cette tradition qu’on doit considérer la célèbre Symphonie Espagnole d’Edouard Lalo.

Enfin, notre dernière symphonie qui n’en serait pas une est la Symphonie pour orgue. J’ai déja parlé des œuvres d’envergure symphonique des organistes compositeurs rançais Vierne, Franck, Dupré et Widor. Ce dernier composera 10 de ces symphonies pour le Grand Instrument, et sa cinquième est sans doute sa plus jouée, en grande partie à cause de son attrayante toccata.

Bonne écoute!

mardi 28 novembre 2017

Schubert: 15 Lieder / Gundula Janowitz, Charles Spencer


Le billet suivant est mon Mardi en Musique du 28 novembre 2017. 

Le partage de cette semaine propose un enregistrement datant de 1989 mettant en vedette l’illustre soprano Gundula Janowitz dans un récital milanais, interprétant une sélection de 15 lieder de Franz Schubert, accompagnée au piano par Charles Spencer.

L'œuvre de Schubert comprend plus de 600 mélodies pour voix et piano. Ce nombre à lui seul est très impressionnant - de nombreux compositeurs n'arrivent pas à atteindre ce nombre de compositions dans toute leur production, et encore moins dans un seul genre. Mais ce n'est pas seulement la quantité qui est remarquable: Schubert écrivait régulièrement et fréquemment des chansons d'une telle beauté et d'une telle qualité que des compositeurs comme SchumannWolf et Brahms lui attribuaient tous le mérite de réinventer, revigorer et donner plus de sérieux au lieder.

Peut-être ai-je tort ici, mais je sens qu'il y a une prépondérance de chanteurs mâles qui sont associés à Schubert; Winterreise (Fischer-Dieskau) est ouvert à une interprétation masculine ou féminine. Cependant, même lorsqu'il y a des «personnages», la tendance est incohérente: à titre d'exemple, Die schöne Müllerin est presque toujours chantée par les hommes, tandis que les Lieder eines fahrenden Gesellen de Mahler sont interprétés presque également par des hommes et des femmes.

Gundula Janowitz a officiellement pris sa retraite de la scène en 1990 et, selon la plupart des articles consultés pour ce billet, s’est offerte en récital occasionnellement jusqu'au milieu de cette décennie avec son dernier récital - capturé pour la postérité dans un enregistrement pirate - en septembre 1999. En autant que je sache, il n’existe seulement deux enregistrements commerciaux de Mme Janowitz chantant Schubert (à l'exception de ce dernier récital), un pour DGG (avec Irwin Gage au piano) et ce récital de fin de carrière avec Spencer au piano re-publié sur Nuova Era et Brilliant Classics.

Je suis d'accord avec la critique contemporaine de cette prestation milanaise et de son dernier récital une dizaine d'années plus tard; la cantatrice possède encore une voix remarquablement fraîche quoiqu’il y a une certaine perte de floraison, inévitablement, et une fragilité occasionnelle de l'intonation, mais le son unique est indéniable, la livraison toujours claire et soignée.

Bonne écoute!



Franz SCHUBERT (1797-1828)

  • Der Winterabend D938, Texte de Karl Gottried von Leiner
  • Auf dem See D543, Texte de Johann Wolfgang von Goethe
  • Das Lied im Grunen D917, Texte de Fredrich Reil
  • An die untergehende Sonne D457, Texte de Ludwig Gotthard Theobul Kosegarten
  • Der liebliche Stern D861, Texte de Ernst Schulze
  • An den Mond D296, Texte de Johann Wolfgang von Goethe
  • Nachtstuck D672, Texte de Johann Baptist Mayrhofer
  • Augenlied D297, Texte de Johann Baptist Mayrhofer
  • Der blinde Knabe D833, Texte de Jakob Nikolaus de Jachelutta Craigher
  • Am Grabe Anselmos D504, Texte de Matthis Claudius
  • Bei Dir allein D866, Texte de Johann Gabriel Seidl
  • Die abgebluhte Linde D514, Texte de Ludwig Graf von Savar-Felso Videk Szechenyi
  • Fischerweise D881, Texte de Franz Xaver Freiherr von Schlechta
  • Geheimnis D491, Texte de Johann Baptist Mayrhofer
  • An die Musik D547, Texte de Franz von Schober

Gundula Janowitz, soprano
Charles Spencer, piano
Enregistrement public: Milan, 1989
Nuova Era 6860 [http://wwwarkivmusic.com/classical/a...bum_id=134490]

 



Clip de la collection Youtube de Johnny BeGood

Internet Archive - https://archive.org/details/GundulaJanowitzFranzSchubert15Lieder

vendredi 24 novembre 2017

In Memoriam: Sir Jeffrey Tate (1943 - 2017)





Ce billet B + B propose notre montage # 265. Pour l'écouter, il suffit d'utiliser le lecteur Pod-O-Matic intégré au billet.



=====================================================================
Plus tôt cette année, j'ai proposé un Mardi en Musique saluant la carrière du chef d'orchestre Sir Jeffrey Tate, qui est décédé en juin dernier. Cette semaine, le montage est un autre hommage posthume à Sir Jeffrey, cette fois avec trois symphonies de Joseph Haydn.

En 1985, Tate fut nommé premier chef de l'English Chamber Orchestra et entame avec eux un important programme d'enregistrement pour la maison EMI, qui comprend l’intégrale des  symphonies de Mozart ainsi qu’un grand nombre des symphonies de Haydn. Haydn et Mozart vus par Tate sont dans une classe à part. Utilisant des forces instrumentales modernes et adoptant souvent des tempi qui sont beaucoup plus larges que ce que l'on est en droit d'attendre des orchestres d'époque, Tate atteint une légèreté et un lyrisme qui rendent chaque note irrésistible.

Comme nous l'avons évoqué dans un autre Mardi en Musique plus tôt cette année, les symphonies dites Londoniennes de Haydn peuvent être classées en deux groupes: les Symphonies n ° 93-98, composées lors de la première visite de Haydn à Londres et les Symphonies n ° 99-104 composées à Vienne. et Londres pour sa deuxième visite. Le trio de symphonies propose aujourd'hui est du premier groupe et furent présentées au public londonien dans un ordre différent - ils étaient ses troisième, sixième et quatrième respectivement.

La musique de Haydn contient beaucoup de blagues, et la Symphonie de la surprise (n ° 94) inclut probablement le plus célèbre de tous: un accord fortissimo inséré inopinément à la fin du thème d'ouverture du deuxième mouvement. La musique revient alors à sa dynamique tranquille originelle, comme si rien ne s'était passé, et les variations qui s'ensuivent ne répètent pas la blague. (En allemand, elle est communément appelée la Symphonie mit dem Paukenschlag - "avec le coup de timbale").

La symphonie no. 96 a été appelée la Symphonie du miracle en raison de la légende qui veut que, lors de sa première, un lustre est tombé du plafond de la salle de concert. Le public a évité le désastre car ils s'étaient tous rassemblés près de la scène pour applaudir Haydn, d’où son surnom. (Des recherches plus récentes suggèrent que cet événement a effectivement eu lieu lors de la création de sa Symphonie n ° 102).

Haydn composait la Symphonie no 98 quand il a appris (et fut grandement affligé par) la nouvelle de la mort de son ami Mozart. L'Adagio, solennel et semblable à un hymne, fait un usage notable du matériel de deux œuvres de Mozart, la Messe du Couronnement et la Symphonie n ° 41 («Jupiter»).


Bonne écoute


mardi 21 novembre 2017

Les routes scéniques



Le billet suivant est un de mes Mardi en Musique pour le mois de novembre 2017.

La série Les Routes du Laitier explore le répertoire de long en large, faisant appel à nos montages et playlists du passé. Pour plus d'information, lisez la page d'infos.







Un anglicisme de bon aloi, l’expression « route scénique » signifie une route panoramique, qui offre une vue souvent sympathique pour les passagers.  Dans le contexte de notre série, l’expression s’adresse à des musiques composées expressément pour la scène (et au XXe siàcle, pour les arts visuels tels la télé et le cinéma).

Cela se manifeste à bien des égards musicalement - la musique incidentale (calque encore de l’Anglais…), c'est-à-dire la musique conçue comme musique de fond ou d'ambiance; de la musique de ballet ou de la musique destinée à des productions théâtrales chorégraphiées et, dans une moindre mesure, des ouvertures, des poèmes sonores ou d'autres œuvres de ce genre, inspirées par des pièces de théâtre.

L'opus de scène ultime impliquant la musique, bien sûr, est l'opéra et ses formes dérivées (opérette, comédie musicale, revues musicales, ...) mais nous réserverons pour le volet du mois prochain.

De la suite dans les idées

Le cas de la musique de scàne mérite d'être discuté sous un angle différent. dans le contexte d’un concert quel est le meilleur véhicule ou la meilleure plateforme pour présenter cette musique dans la salle de concert sans les éléments scéniques (acteurs, décors…)?

La réponse est d'assembler des numéros musicaux dans une suite en plusieurs parties. Ces suites se présentent en deux saveurs - celles rassemblées par le compositeur (ou un substitut) et celles assemblées par des chefs d'orchestre ou des instrumentistes.

Il y a beaucoup d'exemples de cela. Par exemple, on entend rarement la musique écrite par Edvard Grieg pour Peer Gynt d’Ibsen (son opus 23) sous sa forme originale. En 1888 et 1891, Grieg a extrait huit mouvements pour faire deux suites à quatre mouvements: ses opp. 46 et 55. Certaines de ces sections – l’air du matin et L’antre du Roi des Montagnes - ont transcendé la scène et la salle de concert et sont des airs reconnus dans la culture populaire.

Pelléas et Mélisande de Meterlinck est l'exemple d'une mise en scène qui a recueilli de nombreuses versions de musique, notamment de Fauré et Sibelius, ainsi qu'une adaptation d'opéra de Claude Debussy. Il est à noter que c'est l'élève de Fauré, Charles Koechlin, qui a réuni une suite de concerts de Fauré et le compositeur / chef d'orchestre Marius Constant qui a emballé la musique de Debussy pour une «symphonie de concert».

Ballet, en tout ou en partie

La musique de ballet ouvre le débat en concert: intégrale ou suite.

Il arrive parfois que des orchestres (et des chambristes) invitent des troupes de danse à les rejoindre sur scène en concert pour ajouter la dimension chorégraphique à un ballet qu'ils exécutent - mais c'est l'exception. la règle.

La question est vraiment si la musique de ballet peut se passer de la danse; une question qui n’a pas de réponde universelle...

Une œuvre comme le Sacre du printemps, en raison de son statut historique, est l'un de ces cas où la musique peut se tenir seule dans la salle de concert. Je dirais en outre que tout ballet qui peut être interprété comme un morceau de musique continu - contrairement aux grands ballets de Tchaïkovski qui se déploient sur plusieurs actes - est également un candidat à la performance en concert. Parfois, on oublie même La Valse de Ravel ou le Prélude à l'après-midi d'un Faune de Debussy étaient à l'origine des œuvres dansées!

Le ballet de Prokofiev Roméo et Juliette (son opus 64) défend la thèse des suites de ballet. Prokofiev traita cette musique à toutes les sauces: il ne rassembla pas une, pas deux mais trois suites (son op 64 bis et ter et son opus 101), et Prokofiev réduisit la musique du ballet en 1937 sous le nom de Roméo et Juliette: dix pièces pour piano, op. 75. De nombreux chefs de renom, dont Riccardo Muti et Dimitri Mitropoulos, ont assemblé les leurs en mélangeant les numéros des suites Prokofiev.

Plus qu’un accessoire

La puissance de la musique dans la performance de scène (et d'écran) est sa capacité à créer l'ambiance ou à transmettre des messages «sans mots». Richard Wagner, dans beaucoup de ses opéras, a institué le concept de leitmotiv, ou «thèmes de caractère» où il représente des personnages dans l'action au sein de la musique, transformant ces thèmes en fonction du moment. Cette méthode a été largement utilisée par d'autres compositeurs - John Williams en a fait un usage important pour la musique qu'il a composée pour les nombreux chapitres de l'anthologie de la Guerre des Etoiles, et l'anthologie Harry Potter, pour ne citer que ceux-là.

Vos feuilles de Route

Feuille de Route #53 - "Pelleas et Melisande"
Pelléas et Mélisande est un drame intemporel avec une atmosphère de légende: les personnages de Maeterlinck apparaissent sans histoire, on ne connaît pas leur passé. Il n’est donc pas surprenant que la pièce inspire des musiques qui sont tout aussi symboliques, et par moment tout aussi sombres. [Lire notreréflexion]

Hyperlien au menu - https://archive.org/stream/pcast108-Playlist



Feuille de Route #54 - "Sibelius entre en scène "
Trois « suites » compilées depuis la musique composée par Jean Sibelius pour des productions scandinaves de pièces de théâtre.. [Lire notre réflexion

Hyperlien au menu - https://archive.org/stream/pcast234-Playlist




Feuille de Route #55 - "Inspirations Shakespeariennes"
La tradition des drames de l’ère Tudor et Stuart inclut au moins une chanson dans chaque pièce. Seules les tragédies les plus profondes évitent l’ajout d’interludes musicaux sauf pour les sons des trompettes et des tambours. Dans ses grandes tragédies, William Shakespeare a défié cette orthodoxie et a utilisé des chansons étonnamment émotives, en particulier dans Othello, le Roi Lear et Hamlet. Shakespeare et musique vont donc main dans la main. [Lire notre réflexion

Hyperlien au menu - https://archive.org/stream/pcast233-Playlist




Feuille de Route #56 - “Tchaïkovski ‎– Le Lac Des Cygnes - La Belle Au Bois Dormant”
Les suites du Lac des Cygnes et de la Belle au Bois Dormant ont ceci en commun – elles furent toutes deux compilées posthumément par des collaborateurs anonymes du compositeur. Ceci étant dit, on rapporte que le compositeur avait envisagé des suites (inédites) pour les deux ballets, et que celle de la Belle était sans doute conforme aux plans sommaires laissés parmi ses cahiers. [Lire notreréflexion]

Hyperlien au menu et à la musique - https://archive.org/details/01SwanLakeSuiteOp.20A




Feuille de Route #57 - “Prokofiev ‎– Romeo et Juliette ”
Dimitri Mitropoulos, lui-même compositeur, est reconnu pour le rayonnement du répertoire postromantique et moderne: Mahler, la deuxième école Viennoise et les maîtres Russes de la fin du XIXe et du XXe siècles. Cet enregistrement de sélections de Roméo et Juliette de Prokofiev tombe donc en plein dans la mire du chef. [Lire notreréflexion

Hyperlien au menu et à la musique - https://archive.org/details/07RomeoAndJulietOp.64SuiteII



Feuille de Route #58 - "C’est arrivé le 29 mai 1913 "
Tout dépendant de votre point de vue, la date du 29 mai 1913 est soit un récital des Ballets Russes de Diaghilev d’une notoriété incontournable, ou une balise ferme qui marque la fin d’une époque en musique. Ce montage recrée le programme complet de la soirée, au théâtre des Champs-Elysées. [Lire notre réflexion]

Hyperlien au menu - https://archive.org/details/pcast107-Playlist

Feuille de Route #59 - "Une loge au cinéma"
Musique et cinéma vont main dans la main, et ce depuis les films silencieux, en passant par les comédies musicales, et finalement les longs métrages de grande envergure, avec leurs trames sonores envoûtantes. Les compositeurs du début du XXie siècle, à commencer par Saint-Saëns et en passant par les exemples choisis aujourd'hui vous mettront sûrement dans le bain cinématographique. [Lire notreréflexion]

Hyperlien au menu - https://archive.org/details/Pcast020Playlist



Feuille de Route #60 - " La Guerre des Etoiles"
C’est en 1974 que Williams entreprend sa longue collaboration avec Spielberg (pour la vaste majorité de ses films). Et Spielberg recommandera Williams à son collègue Lucas pour son projet de film qui deviendra La Guerre des Etoiles – un triptyque original, une trilogie de films « antécédents » et plus récemment la poursuite de l’aventure réalisée par JJ Abrams. [Lire notre réflexion]

Hyperlien au menu - https://archive.org/stream/pcast232-Playlist



Feuille de Route #61 - " Le mythe du cowboy solitaire"
Le mythe du cowboy Américain est fondé sur des idéaux romantiques: les vastes étendues, héroisme, liberté, les "bons" Vs. les brigands, et j'en passe... Pour la plupart d'entre nous, la musique associée aux cowboys passe par la musique "country". C'est au cinéma qu'on retrouve le mythe dans sa plus pure expression: John Wayne, Clint Eastwood, dans des productions signées John Ford ou Sergio Leone. [Lire notre réflexion]

Hyperlien au menu - https://archive.org/details/Pcast013Playlist



Feuille de Route #62 - "Edvard Grieg ‎– Peer Gynt (Musique de scène)"

Enregistré le 17 octobre 1966 dans la Heilandskirche de Leipzig. le Gewandhausorchester Leipzig dirigé par Vaclav Neumann et accompagné par la soprano Adele Stolte visitent la trame musicale de la pièce d'Ibsen Peer Gynt, composée par son compatriote Edvard Grieg. [Lire notre réflexion]

Hyperlien au menu et à la musique - https://archive.org/details/EdvardGriegMusicToPeerGyntOp.

mardi 14 novembre 2017

Rachmaninov sur Vinyle


Le billet suivant est mon Mardi en Musique du 14 novembre 2017. 

La revanche du vinyle cette semaine considère deux œuvres orchestrales de Sergey Rachmaninov, émanant de deux périodes différentes dans sa carrière de compositeur.

La Deuxième Symphonie de Rachmaninov date de 1906-1907. La partition est dédiée à Sergei Taneyev, compositeur russe, enseignant, théoricien, auteur et élève de Tchaïkovski. Aux côtés de ses deuxième et troisième concertos pour piano, cette symphonie reste l'une des compositions les plus connues de Rachmaninov.

Des parties du troisième mouvement ont été utilisées pour la chanson de 1976 du chanteur Eric Carmen, "Never Gonna Fall in Love Again", qui a emprunté l'introduction et la mélodie principale du troisième mouvement dans le refrain et coupets de la chanson, respectivement. La mélodie a également été utilisée par le pianiste de jazz Danilo Pérez comme thème principal de son morceau "If I Ever Forget You" sur son album Across the Crystal Sea sorti en 2008.

La première fut dirigée par le compositeur lui-même à Saint-Pétersbourg le 8 février 1908. La prestation d'aujourd'hui est de Lorin Maazel et de l'Orchestre philharmonique de Berlin.

Achevées en 1940, les Danses Symphoniques sont la dernière composition de Rachmaninov. L'œuvre est pleinement représentative du style ultérieur du compositeur avec ses harmonies curieuses et changeantes, des passages grotesque  à la Prokofiev et l'accent mis sur les couleurs individuelles des tons instrumentaux (mis en évidence par son utilisation d'un saxophone alto dans la danse d'ouverture) .

Les danses sont un exercice de nostalgie pour la Russie de sa jeunesse; le motif d'ouverture de trois notes, présenté tranquillement mais bientôt renforcé par des accords lourdement staccato et responsable de la vitalité rythmique du mouvement, rappelle le thème de la Reine de Shemakha dans l'opéra de Rimski-Korsakov Le coq d'or. Présent aussi est son faible pour les chants ecclésiastiques. Dans la finale, il cite à la fois le Dies Irae et le chant "Béni soit le Seigneur".

La version retenue - un vieux disque d'Evgenii Svetlaniv tiré de la même réédition d'ABC Classics qui contenait la Suite n ° 4 de Tchaïkovski partagé plus tôt cette année - a été posté sur ma chaîne YouTube pendant un certain temps et (à mon grand regret) manque les premières mesures. J'ai corrigé la situation en creusant dans mes copies numériques, et j'ai rectifié la situation dans la version Internet Archive (audio seulement).

Bonne écoute!


Sergey RACHMANINOV (1873-1943)
Symphonie No.2 en mi mineur, op. 27
Berliner Philharmoniker
Lorin Maazel, direction
Deutsche Grammophon ‎-- 2532 102 (ADD, 1983)


https://www.youtube.com/playlist?lis...j2MPR5iwPZ7VdL

Danses symphoniques, op.  45
Orchestre Symphonique d'URSS
Yevgeny Svetlanov direction
ABC Classics AY 67032 (AAA, enregistrement original de 1973)




Internet Archive - https://archive.org/details/05RachmaninovSymphonicDancesFI




 

Pages vues la semaine précédente