QQJP Rétro - Gustav Mahler

 

Le billet su ivant est un de mes Quinze que j'en pense pour le mois de janvier 2021.

Pour marquer le dixième anniversaire de nos interventions sur ce forum, j'ai l'intention de ramener tout au long de l'année un ancien format de partage - que j'ai surnommé « QQJP Rétro » qui propose une playlist YouTube pour marquer un thème (aujourd'hui, une paire d'œuvres d'un compositeur) qui ne correspondent à aucune de nos séries récurrentes.

L'œuvre principale aujourd'hui est la Quatrième Symphonie de Mahler, la dernière des soi-disant symphonies Wunderhorm car elle est inspirée de cette même collection de poèmes, et réutilise l'un des textes que Mahler a mis en musique ses cahiers de 1890, "Das himmlische Leben" , qui présente la vision du paradis selon un enfant. Il est chanté par une soprano dans le quatrième et dernier mouvement de l'œuvre.

Dans ma collection personnelle, j’ai plusieurs versions de cette symphonie, et celle que j'ai retenu cette semaine est quelque chose de rare. En 1958, lorsque cet enregistrement a été réalisé, la grandeur de Mahler en tant que compositeur n'était pas chose faite. Fritz Reiner lui-même avait entrepris un voyage figuratif de découverte avant de se rendre compte que c'était une musique qui valait la peine d'être dirigée et enregistrée. Il a fait deux albums de Mahler avec son orchestre de Chicago: celui-ci et Le Chant de la Terre.. Les deux ont bien résisté à l'épreuve du temps.

Mahler a commencé à travailler sur un Quatuor pour piano en la mineur vers la fin de sa première année au Conservatoire de Vienne, alors qu'il avait environ 15 ou 16 ans. La pièce a eu sa première représentation le 10 juillet 1876 au conservatoire avec Mahler au piano, mais il n'est pas clair d'après la documentation survivante si le quatuor était complet à cette époque. À la suite de cette représentation, une reprise a été exécuté au domicile du Dr Theodor Billroth, qui était un ami proche de Johannes Brahms.

Suite à la redécouverte du manuscrit par la veuve de Mahler Alma Mahler dans les années 1960, l'œuvre a été créée aux États-Unis le 12 février 1964, au Philharmonic Hall de New York par Peter Serkin et le Quatuor Galimir.

La performance retenue est une performance publique du Festival de Lugano en 2012.

 

Bonne écoute!

Gustav MAHLER (1860-1911)

 Mouvement de quatuor pour piano et cordes en la mineur (ca. 1876)

Sascha Maisky - violon
Lyda Chen – alto
Mischa Maisky - violoncelle
Lily Maisky - piano

 Symphonie No.4 en sol majeur (1899-1900)

Lisa della Casa, Soprano
Chicago Symphony Orchestra
Fritz Reiner, direction

YouTube - https://youtube.com/playlist?list=PL6swnss9F7SFcSwRwtaZX0uJ-p94OkmmM

Frédéric

 

Cette sélection souvenir reprend le montage du 14 février 2014. Comme tous nos montages antérieurs, vous pourrez le trouver sur la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast143

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Au cours des trois derniers jours, nous avons partagé des montages mettant en évidence des œuvres pour piano et orchestre de Chopin. La sélection souvenir d'aujourd'hui est un montage tout- Chopin, dont le titre s’inspire de la vieille chanson de Claude Léveillée - qui clôt le montage. La majeure partie du contenu du montage a été extraite de deux albums.

Uncritique pose la question: «Comment se fait-il qu'un enregistrement de l'un des pianistes incontestablement inégalés d'aujourd'hui interprétant une partie de son répertoire principal - croqué quelques mois après son triomphe au Concours international Chopin de Varsovie en 1965 - puisse languir pendant des décennies en les coffres avant sa sortie officielle? » Connue sous le nom de «The Legendary 1965 Recording», cette performance rare est restée dans les coulisses pendant des années pour des raisons contractuelles. Pour le plus grand plaisir de tous, il est finalement sorti sur CD en 1999; c'est une pièce unique de l'histoire musicale. Une grande partie de la session se fait en une seule prise, y compris le mouvement final exigeant de la sonate en si mineur. Des performances magistrales pleines d'énergie brute du début à la fin définissent ce CD et aident à dissiper le mythe selon lequel la musique pour piano de Chopin est mélancolique et ne sert que de musique de fond froufrous.

Les morceaux restants de Chopin sont tirés de l’ultime enregistrement de Vladimir Horowitz, (pour Sony Classical) achevé quatre jours avant sa mort et composé d'un répertoire qu'il n'avait jamais enregistré auparavant - y compris certains de ces joyaux Chopin. Horowitz a connu une dernière période automnale au cours de laquelle il considérait constamment la nouvelle littérature et la jouait d'une manière détendue et charmante. Fini le névrosisme et la dynamique démesurée qui pouvaient surgir dans son jeu. Dans ce genre de performance, il donne le sentiment qu'il n'est plus là pour prouver quoi que ce soit, qu'il s'amuse simplement à jouer du piano.

En prime, voici une playlist YouTube contenant l'intégralité de l'album Horowitz.

 https://youtube.com/playlist?list=PL6PHeC5f0TTctagwkme3VIv7TULYKVo6J

Bon souvenir!

Quatrième symphonie de Brahms

Cette sélection souvenir reprend le montage du 25 janvier 2013. Comme tous nos montages antérieurs, vous pourrez le trouver sur la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/BrahmsFestivalPart4

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Tout au long de la semaine, j'ai programmé les montages de notre intégrale des symphonies de Brahms datant de janvier 2013 en ordre, culminant aujourd'hui avec comme sélection souvenir la Symphonie no. 4.

Dans une revue sur e web du cycle Brahms d'Eugen Jochum avec l'Orchestre philharmonique de Berlin réédité sur CD, un auteur fait une déclaration audacieuse, étant donné le haut niveau que l'orchestre de Berlin a maintenu dans le répertoire allemand sous des sommités comme Furtwangler, Karajan, Abbado et plus récemment Simon Rattle: c'est le meilleur cycle de Brahms jamais sorti de Berlin. Plus que simplement faire sonner la Philharmonie de Berlin des années 1950 de façon splendide, Jochum est également capable de faire ressortir d'énormes quantités de détails grâce à son attention particulière aux vents et aux cuivres - une lecture par moments libérale, mais toujours musicale.

Ignorer les enregistrements monophoniques est un pari dangereux qui vous fait rater une musicalité exceptionnellement grande. Jochum n'était rien sinon un grand musicien, et ses enregistrements de Brahms résistent heureusement à l'épreuve du temps. Jochum a enregistré ces morceaux plus tard en stéréo, avec le London Philharmonic sur EMI. Ces lectures (disponibles sur YouTube ici) sont merveilleuses, et les meilleurs Brahms avec cet ensemble en particulier.

Pour compléter le montage original, jù,ouvre avec une interprétation enjouée de la sérénade no. 1 par Raffi Armenian et son orchestre d'alors à Kitchener-Waterloo.

En prime, un autre enregistrement de Jochuim et d'un orchestre londonien (cette fois, le LSO) dans deux séries de variations pour orchestre: variations Haydn de Brahms (nous avons entendu la version à deux pianos mardi dernier), couplé aux Enigma Variations d'Elgar

https://youtube.com/playlist?list=PL3B_RNobM-BQl3M_QPc1rIU4gMv8vSkhV

Bon souvenir!

Riccardo Muti - Felix Mendelssohn-Bartholdy - New Philharmonia Orchestra ‎– Symphonie No. 3

 

Le billet su ivant est un de mes Quinze que j'en pense pour le mois de janvier 2021.

Nous redémarrons nos partages bimensuels avec la revancje du vinyle et un vieil enregistrement EMI tout-Mendelssohn mettant en vedette Riccardo Muti et le Philharmonia

De la fin des années 50 au début des années 70, le chef d'orchestre de l'Orchestre Philharmonia était Otto Klemperer, avec qui l'orchestre a donné de nombreux concerts et réalisé de nombreux enregistrements du répertoire orchestral de base. En 1972, Klemperer a annoncé sa retraite de la direction de l'orcheatre (brièvement connu sous le nom de New Philharmonia). L'orchestre a reconnu qu'un chef d'orchestre solide était nécessaire pour rétablir ses normes et ses finances, mais il n'y avait pas de candidat immédiatement évident. Le cadre de l'EMI, Walter Legge, n'avait plus aucun intérêt dans l'orchestre, bien qu'il en surveillât les progrès avec bienveillance, et ayant repéré le potentiel de Riccardo Muti, il le recommanda au directeur général, Terence McDonald. D'autres candidats potentiels ont été considérés, mais Muti a été nommé chef de l'orchestre à partir de 1973.

Muti, bien qu'il ait rejeté une telle description, était un disciplinaire ferme, et sous sa direction l'orchestre a rétabli ses normes. Les critiques de l'époque ont commenté la "superbe performance" de l'orchestre, son "immense virtuosité", son jeu de cordes "étonnamment délicat" et son "phrasé à vent encore plus magique que leurs collègues berlinois".

Avec Muti, l'orchestre a enregistré l'opéra (Aida, 1974; Un ballo in maschera, 1975; Nabucco, 1977; I puritani, 1979; Cavalleria rustiqueana, 1979; La traviata, 1980; Orfeo ed Euridice, 1981; et Don Pasquale, 1982); un large éventail du répertoire symphonique, y compris les cycles Schumann et Tchaïkovski; des concertos avec des solistes dont Sviatoslav Richter, Andrei Gavrilov, Anne-Sophie Mutter et Gidon Kremer; et la musique chorale de Cherubini et Vivaldi.

Pendant le mandat de Muti, l'orchestre a retrouvé son titre d'origine, après de longues et complexes négociations. À partir de septembre 1977, le "Nouveau" a été abandonné, et l'orchestre est depuis lors le Philharmonia.

L'une de nos premièrs partages dans cette série fut tiré du cycle Muti / Philharmonia Tchaikovsky, et la part d'aujourd'hui fait partie d'un ensemble partiel de Mendelssohn (réédité et présenté comme un ensemble de deux disques - voir l'hyperlien notre YouTube ci-dessous). Le microsillon spécifique de ma collection comprend la symhonie no. 3 (Ecossaise) et l'ouverture Mer calme et voyage prospère..

Bonne écoute

Felix MENDELSSOHN-BARTHOLDY (1809-1847)
Symphonie No. 3 en la mineur, Op.56 "Ecossaise"
Ouverture, "Meeresstille und glückliche Fahrt" Op. 27
New Philharmonia Orchestra
Riccardo Muti, direction

Label: Angel Records ‎– S-37168
Format: Vinyl, LP, Album, Quadraphonic
Emis: 1976

Details - https://www.discogs.com/Riccardo-Mut...elease/5264986

YouTube - https://youtube.com/playlist?list=OL...nPf7uJFHLpb22o

Internet Archive - https://archive.org/details/01-symphony-no.-3-in-a-minor-scotti

Quatuor pour la fin du temps

Notre montage # 351 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast351

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Le 15 janvier marque le 80e anniversaire de la première représentation du Quatuor pour la fin du temps d’Olivier Messiaen pour violoncelle, piano, clarinette et violon. L'œuvre a été composée dans un camp de prisonniers de guerre en Silésie contrôlée par les nazis.

Messiaen avait 31 ans lorsque la France est entrée dans la Seconde Guerre mondiale. Il a été capturé par l’armée allemande en juin 1940. Il n’est pas surprenant que certains des codétenus de Messiaen étaient des musiciens professionnels; le clarinettiste Henri Akoka, le violoniste Jean le Boulaire et le violoncelliste Étienne Pasquier. Il a réussi à se lier d'amitié avec un garde sympathique et à obtenir du papier et un petit crayon Messiaen a d'abord écrit un court trio pour eux; cette pièce s'est développée en Quatuor pour le même trio avec lui-même au piano. La combinaison d'instruments était inhabituelle à l'époque, mais non sans précédent: Walter Rabl avait composé pour elle en 1896, tout comme Paul Hindemith en 1938.

C'est ainsi que le compositeur a raconte sa création au début de 1941: «Le Stalag a été enterré dans la neige. Nous étions 30 000 prisonniers (français pour la plupart, avec quelques Polonais et Belges). Les quatre musiciens jouaient sur des instruments cassés ... les touches de mon piano droit restaient abaissées quand elles étaient enfoncées ... c'est sur ce piano, avec mes trois collègues musiciens, habillés de la manière la plus étrange ... complètement en lambeaux, et des sabots en bois assez gros pour que le sang circule malgré la neige sous les pieds… que j'ai joué mon quatuor.

Ces réminiscences furent contestées par plusieurs, y compris les autres membres du quatuor: alors que Messiaen se souvient de milliers de spectateurs, la salle du camp pouvait en contenir au plus 500; son piano n'était pas aussi imparfait qu'il le décrit; et son insistance sur le fait que le violoncelliste ne jouait qu'avec trois cordes a été démentie à plusieurs reprises par le violoncelliste lui-même. Néanmoins, peu contestent la signification de l'œuvre elle-même, l'une des plus importantes à être produites au XXe siècle.

Messiaen et Etienne Pasquier (violoncelliste à la première création) ont enregistré plus tard le quatuor en LP pour le Club Français du Disque (1956), avec Jean Pasquier (violon) et André Vacellier (clarinette).

Deux autres œuvres complètent le montage. Cantéyodjayâ est une œuvre pour piano écrite en 1949 dont les bases compositionnelles sont les rythmes hindous que l'on retrouve souvent dans l'œuvre de Messiaen. Les recherches du compositeur sur les rythmes hindous reposaient en partie sur les 120 rythmes répertoriés dans la Sangita Ratnakara de Sarangadeva du XIIIe siècle. La partition comprend des noms tirés de cette œuvre, ainsi que de la théorie musicale carnatique.

Les cinq réchants forment la dernière partie de la "Trilogie de Tristan" après Harawi et la Turangalîla-Symphonie. Le titre de cette œuvre fait référence au Printemps de Claude Le Jeune, «chef-d'œuvre de l'écriture chorale et chef-d'œuvre du rythme» selon Messiaen. Comme dans cet ouvrage, les couplets (chansons) et les refrains (rechants) alternent. La mélodie trouve sa source dans le harawi ou yaravi, une chanson d'amour folklorique du Pérou, et dans l'alba, une chanson de l'aube du Moyen Âge.

Bonne écoute!

Joaquín Rodrigo (1901-1999)

 

Cette sélection souvenir reprend le montage du 3 janvier 2020. Comme tous nos montages antérieurs, vous pourrez le trouver sur la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast330

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Notre première sélection souvenir pour la nouvelle année est une réflexon vieille d’à peine un an, car nous l'avons initialement publiée comme notre premier B+B de 2020. Difficile pour moi de proposer une nouvelle réflexion ici, mais voici quelques informations intéressantes tirées du site officiel dédié au compositeur

Au début des années 1920, Joaquín Rodrigo était déjà un excellent pianiste et étudiant en composition familier avec les tendances contemporaines. Ses premières compositions ont été écrites sous de petites formes musicales et sa première œuvre pour grand orchestre, Juglares, a été créée avec succès par l'Orchestre symphonique de Valence dirigé par Enrique Izquierdo en 1924. Rodrigo a décidé de s'installer en France en 1927, car la capitale française avait été depuis le début du siècle un centre culturel important pour les écrivains, peintres et musiciens espagnols. Il fallait donc s'attendre à ce que le jeune Joaquín Rodrigo veuille suivre les traces d'Albéniz, Falla et Turina. À la fin de la décennie, Joaquín étudiait avec le maître français Paul Dukas à l'École Normale de Musique de Paris.

Au printemps 1938, Joaquín Rodrigo et sa femme s'étaient installés en Allemagne et avaient été invités à enseigner dans le cadre des cours d'été de l'Université de Santander, qui venait d'ouvrir. Les Rodrigos ont ainsi pu renouer leurs contacts avec la vie culturelle espagnole, malgré les difficultés causées par la guerre civile. Une rencontre très significative a eu lieu lors du voyage de retour à Paris, lorsque lors d'un déjeuner avec le guitariste Regino Sainz de la Maza et le Marqués de Bolarque , Joaquín acceptw avec enthousiasme l'idée d'écrire un concerto pour guitare; ce sera le Concierto de Aranjuez. Au cours de leur dernière année de résidence dans la capitale française, Rodrigo a donné des récitals de piano, a entrepris diverses orchestrations qui lui ont été commandées et a composé un certain nombre de chansons dans un style de musique légère. Mais lorsque l'hiver est arrivé, les Rodrigos ont commencé à envisager un retour permanent en Espagne, une fois que le pays était enfin en paix. Joaquín et Victoria retournèrent finalement en Espagne le 1er septembre 1939, deux jours avant le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, emportant avec eux dans une valise le manuscrit du Concierto de Aranjuez.

Au fil des ans, le compositeur a reçu de nombreux honneurs tant en Espagne qu'à l'étranger en reconnaissance de son travail. Il a été nommé Officier des Arts et des Lettres en 1960 et membre de la Légion d'honneur en 1963 par le gouvernement français, docteur en musique honoris causa de l'Université de Salamanque en 1964, et en 1966 il a reçu la Gran Cruz del Mérito Civil et la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo. En 1963, il se rend à Porto Rico pour donner un cours d'histoire de la musique à l'Université de Río Piedras, où il reste jusqu'en février 1964.

En complément, je vous offre l'une des cinq œuvres composées par Rodrigo pour guitare et orchestre, son Concierto para una fiesta de 1982, créée l'année suivante au Ridglea Country Club, Fort Worth, Texas (USA) par Pepe Romero et le Texas Little Symphony. Romero est présenté ici avec l'Académie de St-Martin-in-the-Fields sous Sir Neville Marriner.

Bon souvenir!

Wien

Notre montage # 350 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast350

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Bonne année!

Le montage de cette semaine, notre premier pour 2021 est un partage prolongé - dépassant notre limite de 90 minutes auto-imposée par plus de 13 minutes.

Le réveillon du Nouvel An est connu sous le nom de Silvester en Autriche. C’est la fête catholique romaine du pape (Saint Sylvestre)  et saint du même nom, décédé le 31 décembre 335 après Jésus-Christ. Aucun d’entre eux n’a de rapport avec la façon dont Vienne célèbre le tournant de l’année.

À minuit, la cloche géante Pummerin de la cathédrale Saint-Étienne de Vienne sonne le Nouvel An avec les carillons diffusés à la télévision et à la radio. Une fois que les derniers échos du Pummerin se sont estompés, tout l'enfer se déchaîne alors que les feux d'artifice à travers la ville éclatent en action.

Les diffuseurs passent ensuite à la valse du Danube bleu et tout le monde danse dans le Nouvel An alors que les lumières explosent dans le ciel nocturne.

Toutes les œuvres présentées aujourd'hui portent Vienne dans leur titre - la plupart d'entre elles par des compositeurs autrichiens, y compris des membres de la famille Strauss. La seule exception est l'œuvre finale - le chef-d'œuvre de Ravel, La valse,

L'idée de La valse a commencé avec le titre «Vienne», puis Wien dès 1906, où Ravel entendait orchestrer une pièce en hommage à la forme de valse et à Johann Strauss II . Après son service dans l'armée française, Ravel est revenu à son idée originale du poème symphonique Wien, choisissant de renommer l'œuvre car tout ce qui avait une consonance allemande après la Grande Guerre avait perdu la faveur du public.

Comme Ravel le dira plus tard,  "Qu'elle ait été ou non conçue comme une métaphore de la situation difficile de la civilisation européenne au lendemain de la Grande Guerre, sa conception en un seul mouvement trace la naissance, la décomposition et la destruction d'un genre musical: la valse . "

Bonne écoute!