Etudes-Tableaux

Ce billet B + B , un de mes Quinze que j'en pense pour le mois de juin 2021,  propose notre montage # 361. Il est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast361

=====================================================================

Notre B+B trimestriel du cinquième mardi du mois » est consacré aux Études-Tableaux de Rachmaninov, un curieux mélange de prouesses pianistiques et d’impressionnisme « à la sauce Russe ». On compte 17 de ces études, huit dans un ensemble datant de 1911 et neuf dans un ensemble ultérieur de 1916-17. Ce dernier ensemble est présenté aujourd'hui dans son intégralité.

Afin de justifier l’aspect « impressionniste » de ces petits bijoux, ne cherchez pas plus loin que les cinq études qu'Ottorino Respighi a orchestrées et qui font partie du montage de cette semaine. Chacun reçoit un sous-titre évocateur : « Le Chaperon Rouge et le Loup », « Marche Funèbre », etc. Quatre des cinq pièces sont tirées du même op. 39 présenté aujourd'hui.

Dans une critique du magazine Gramophone, Bryce Morrison écrit tout simplement : « Féroce et tourmentant dans ses exigences, l'Op 39 est conçu pour ceux dont la maîtrise technique démesurée est complétée par une sensation née de turbulence et de bouleversement. Le survol discographique de Morrison identifie l'interprète d'aujourd'hui, Nikolai Lugansky, "[à] son plus audacieux, prêt à sortir des conventions et à proclamer la gloire de Rachmaninov aux cieux".

En hommage au compositeur, le montage s'ouvre avec Sergey lui-même dans un enregistrement d'époque d'une paire d’études extraites de l'op. 33. Pour clore le montage, M. Lugansky revient avec des extraits des Moments Musicaux de Rachmaninov, un hommage voilé à Schubert (en nom seulement, je dirais) des œuvres sophistiquées de plus longue durée, des textures plus épaisses et des exigences virtuoses plus grandes pour l'interprète que n'importe quel autre œuvres précédentes de Rachmaninov.

 

Bonne écoute!

Jean Sibelius – Symphonies No. 1 & 2

Cette sélection souvenir reprend le montage du 31 juillet 2020. Comme tous nos montages antérieurs, vous pourrez le trouver sur la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: http://archive.org/details/pcast342

 =====================================================================

Pour un deuxième vendredi consécutif, notre partage met en scène la musique de Jean Sibelius et, encore, sous la baguette d'un duo de chefs d'orchestre finlandais.

Né à Heinola, en Finlande, Jukka-Pekka Saraste a commencé sa carrière de violoniste avant de suivre une formation de chef d'orchestre avec Jorma Panula à l'Académie Sibelius d'Helsinki. Artiste d'une polyvalence et d'une ampleur exceptionnelles et réputé pour son approche objective, il ressent une affinité particulière avec le son et le style de la musique romantique tardive. Il entretient un lien particulièrement fort avec les œuvres de Beethoven, Bruckner, Chostakovitch, Stravinsky et Sibelius et est reconnu internationalement pour ses interprétations de Mahler. Nous nous souvenons de Saraste ici au Canada en tant que directeur musical de l'Orchestre symphonique de Toronto de 1994 à 2001. Les dernières années de son mandat ont été marquées par les difficultés financières de l'orchestre, des grèves de musiciens et ses efforts infructueux pour améliorer l'acoustique du Roy Thomson Hall. Saraste a quitté son poste à Toronto en 2001 et est depuis revenu pour plusieurs apparitions en tant qu'invité.

Okko Kamu est né à Helsinki dans une famille de musiciens. Son père jouait de la contrebasse à l'Orchestre philharmonique d'Helsinki. Il a commencé des études de violon à l'âge de deux ans et est entré à l'Académie Sibelius à l'âge de six ans. Il forme son propre quatuor à cordes, le Suhonen, en 1964 où il joue le premier violon. À 20 ans, il est nommé premier violon solo à l'Opéra national de Finlande et occupe ce poste jusqu'en 1968. Il commence alors à diriger, d'abord avec l'orchestre de l'Opéra national de Finlande. Principalement autodidacte, il devient le principal chef invité de l'Opéra royal de Suède en 1969, la même année qu'il remporte le premier Concours de direction Herbert von Karajan à Berlin. De 1971 à 1977, Kamu a été chef principal de l'Orchestre symphonique de la radio finlandaise. En avril 2009, l'Orchestre symphonique de Lahti a annoncé la nomination de Kamu comme prochain chef d'orchestre, à partir de l'automne 2011 où il est resté jusqu'à la fin juillet 2016, date à laquelle il a conclu son mandat à Lahti.

En prime cette semaine, j'ai choisi Kamu dans une interprétation en direct du poème symphonique de Sibelius La Nymphe des bois avec la Symphonie Lahti.

Bon souvenir!

Paavo Berglund dirige Sibelius

Notre montage # 360 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast360

=====================================================================

Le nouveau montage B+B cette semaine est un programme entièrement Sibelius, sous la direction du chef d'orchestre finlandais Paavo Berglund. La carrière de chef d'orchestre de Berglund a commencé en 1949, lorsqu'il a fondé son propre orchestre de chambre. En 1953, Berglund a cofondé l'Orchestre de chambre d'Helsinki et, deux ans plus tard, a été nommé chef associé de l'Orchestre symphonique de la radio finlandaise. Il en a été son directeur musical de 1962 à 1971. Berglund est devenu directeur musical de l'Orchestre philharmonique d'Helsinki en 1975 et a occupé ce poste pendant quatre saisons. Au Royaume-Uni, Berglund a dirigé les concerts du centenaire de Sibelius avec l'Orchestre symphonique de Bournemouth en 1965, et est devenu leur chef principal en 1972, terminant son mandat à Bournemouth en 1979.

Berglund était infatigable à étudier, préparer et répéter. Il venait presque toujours à l'orchestre avec son propre matériel qu'il avait corrigé avec des indications de sa propre main.

Pour ouvrir le montage, j'ai choisi Les Océanides, un poème symphonique en un seul mouvement pour orchestre écrit en 1913-1914. La pièce, qui fait référence aux nymphes de la mythologie grecque qui habitaient la mer Méditerranée, est parfois considérée comme un exemple d'impressionnisme. D'autres ont rétorqué que son utilisation parcimonieuse des échelles privilégiées par les impressionnistes et sa priorité à l'action et à la structure par rapport à l'arrière-plan atmosphérique distinguent la pièce des exemples du genre, tels que La mer de Debussy.

La troisième symphonie est une pièce triomphale d'une simplicité trompeuse, présentée en trois mouvements. Elle est dédié au compositeur britannique Granville Bantock, un des premiers champions de Sibelius au Royaume-Uni.

Le reste si le programme comprend de courtes pièces pour violon et orchestre. Tout le monde s'accorde à dire que les six Humoresques sont des chefs-d'œuvre miniatures, mais ils sont encore très rarement joués, et tout aussi rarement enregistrés. Avec les deux sérénades tout aussi fines, ils feraient de parfaits rappels après le Concerto pour violon de Sibelius.

Les humoresques sont interprétés ici par Heimo Haitto (1925 – 1999). Enfant prodige, il a été qualifié de « Jascha Heifetz de la Finlande ». Les performances retenues ici sont issues de la radio finlandaise, compilées dans un compact de 2013.

Ida Haendel (1928 -2020) était une violoniste polono-britannique-canadienne. Enfant prodige, sa carrière a duré plus de sept décennies. Après avoir interprété le concerto de Sibelius à Helsinki en 1949, elle reçoit une lettre du compositeur. "Vous l'avez joué magistralement à tous égards", a écrit Sibelius, ajoutant: "Je me félicite que mon concerto ait trouvé un interprète de votre rare niveau." La Société Sibelius lui a décerné la Médaille Sibelius en 1982. On l'entend aujourd'hui avec Berglund interpréter les deux sérénades.

Bonne écoute!

Glenn Gould / Beethoven Sonates nos. 12, 16 & 17

  

Le billet su ivant est un de mes Quinze que j'en pense pour le mois de juin 2021.

Le deuxième billet consacré à Gould et Beethoven suit notre « format rétro » avec trois sonates que vous pouvez trouver et dans nos archives et dans une playlist YouTube.

L'enregistrement numérique de 1983 est celui de la sonate "Marche funèbre", et les deux derniers (de 1973) sont deux des trois sonates de l'op. 31. Alors que nous discutions de l'esthétique autour de l'approche de Gould sur Beethoven dans le cadre de l'article du mois dernier, je n'ai rien de plus à ajouter. Profitez simplement des performances!

L’hyperlien YouTube ci-dessous comprend toutes les sonates rééditées et remasterisées sous un seul boîtier multi-CD. Les trois sélections sont isolées dans le lien archivé.

Bonne écoute!

 

Ludwig van BEETHOVEN (1770-1827)

Sonates pour piano:

• No.12 en la bémol majeur, Op.26 (‘Marche funèbre’)
• No.16 en sol majeur, Op.31, No.1
• No.17 en ré mineur, Op.31, No.2 ('Tempête')

 

Glenn Gould, piano

 

Internet Archive: https://archive.org/details/01-piano-sonata-no.-12-i-andante-c

Festival Rachmaninov (3e de 4 parties)

Cette sélection souvenir reprend le montage du 9 août 2013. Comme tous nos montages antérieurs, vous pourrez le trouver sur la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: http://archive.org/details/Pcast117

 =====================================================================

Nos partages quotidiens cette semaine nous ont permis de retrouver le festival Rachmaninov de l’été 2013. La sélection souvenir d’aujourd’hui reprend le troisième volet de cette série, avec des prestations du troisième concerto pour piano et des danses symphoniques.

Le commentaire original propose ine discussion des deux œuvres dans le contexte de deux phases distinctes de la carrière du compositeur – sa phase Russe, et son exil en Amérique. Dans les deux cas, nous avons repris ces œuvres dans des montages et opartages subséquents. Vous pouvez ainsi comparer l’enregistrement public du concerto par Evegni Kissin avec Van Cliburn (Mahler à New York, 2017) et chez Melodiya (Andrei Gavrilov, 2020). De même, vous pouvez comparer la version « jazzy » de Previn à la version plus mordante et Russe de Svetlanov (Rachmaninov sur Vinyle, 2017).

Toutes ces prestations sont disponibles dans nos archives. [https://archive.org/details/@itywltmt?query=rachmaninov]

En complément, je vous propose une fantaisie pour orchestre Le Rocher, produite en 1893 donc aux débuts de la carrière du compositeur. L’œuvre est dédiée à Rimski-Korsakov et fit bonne impression sur Tchaïkovski qui voulait l’inclure dans une de ses tournées européennes (tournée annulée suite à son décès).

Le clip met en vedette le Philharmonique de Berlin sous Lorin Maazel.

Bon souvenir!

0 & 00

Notre montage # 359 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast359

=====================================================================

Le nouveau B+B  de cette semaine poursuit notre rappel de montages de numérologie avec un regard sur une paire de chiffres assez inhabituels dans la numérologie muen musiquesicale.

Les chiffres

La roulette est un jeu de casino qui a probablement été développé à partir du jeu italien Biribi. Ici, les joueurs peuvent choisir de placer des paris sur un seul numéro, divers groupes de numéros, les couleurs rouge ou noire, que le nombre soit pair ou impair, ou si les nombres sont hauts (19-36) ou bas (1 –18).

Les cases de la roulette sont numérotées de 0 à 36. Dans les plages de numéros de 1 à 10 et de 19 à 28, les nombres impairs sont rouges et pairs sont noirs. Dans les plages de 11 à 18 et de 29 à 36, les nombres impairs sont noirs et pairs sont rouges. Il y a une poche verte numérotée 0 (zéro). A la roulette américaine, il y a une deuxième poche verte marquée 00.

Dans les vêtements, la taille zéro est une taille de vêtements pour femmes dans le système de tailles de catalogue américain. Les tailles 0 et 00 ont été inventées en raison du changement de taille des vêtements au fil du temps (appelé taille de vanité ou inflation de taille), ce qui a entraîné l'adoption de nombres inférieurs.

La musique

Il est inhabituel d'avoir des œuvres numérotées « 0 » – sans parler de « 00 » – mais c'est le cas des deux symphonies de Bruckner présentées aujourd'hui.

La Symphonie en ré mineur, WAB 100, a été composée en 1869 entre la Symphonie n° 1 (1866) et la Symphonie n° 2 (1872). En 1895, lorsque Bruckner révise ses symphonies afin de les faire publier, il déclare que cette symphonie « ne compte pas » (« gilt nicht »). Il a écrit sur la première page "annullirt" ("annulé") et a remplacé l'original "Nr. 2" par le symbole "∅". Le symbole "∅" a ensuite été interprété comme le chiffre zéro et la symphonie a reçu le surnom de Die Nullte ("No. 0").

La Symphonie en fa mineur de Bruckner, WAB 99, a été écrite en 1863, à la fin de ses études de forme et d'orchestration. La symphonie en fa mineur de Bruckner fut initialement désignée « Symphonie n° 1 » et, dans une lettre à son ami Rudolf Weinwurm datée du 29 janvier 1865, Bruckner décrivit la symphonie en ut mineur sur laquelle il travaillait à l'époque comme sa Symphonie n° 2 Plus tard, Bruckner décida de laisser la symphonie en fa mineur non numérotée et il appela la symphonie en ut mineur de 1865-1866 sa Symphonie n° 1.

La critique de l'œuvre a conduit Bruckner à étiqueter la symphonie "Schularbeit" (travail scolaire) ou Symphonie d’étude; les érudits ont d'abord cru que la prochaine symphonie que Bruckner a écrite était la soi-disant Symphonie "N° 0", de sorte que cette symphonie est parfois appelée "Symphonie n° 00".

Bonne écoute