 | Le billet su ivant est un de mes Quinze que j'en pense pour le mois d'avril 2021. |
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Notre nouveauté
B+B cette semaine – et le Quinze que j’en pense pour la deuxième quinzaine
d’avril - propose l'Orchestre philharmonique de Moscou et son chef d'orchestre
de 1960 à 1975, Kiril Kondrashiin.
Kondrashin
a été formé comme chef d'orchestre à un âge précoce, faisant ses débuts de chef
d'orchestre au Théâtre des enfants de Moscou en 1931, travaillant plus tard
comme chef assistant au Théâtre de musique académique Stanislavsky et
Nemirovich-Danchenko de Moscou en 1934. Pendant près de 25 ans, y compris un passage
au Théâtre du Bolchoï en tant que membre du personnel de direction en temps de
guerre jusqu'en 1956, Kondrashin était principalement un chef d'opéra et de
ballet, bien qu'il se soit plongé dans le répertoire orchestral. Notamment, son
interprétation de la Symphonie n ° 1 de Dmitri Chostakovitch a attiré
l'attention du compositeur et conduit à une solide amitié.
Après avoir
quitté le Bolchoï, Kondrashin s'est concentré sur le répertoire orchestral,
devenant très considéré comme un accompagnateur de concerto et travaillant avec
les principaux instrumentistes du pays, tels que Emil Gilels, Leonid Kogan,
David Oistrakh, Sviatoslav Richter et Rostropovich. Lors du premier Concours
International Tchaïkovski en 1958, Kondrashin était le chef d'orchestre de Van
Cliburn, qui remporta le premier prix Après le concours, il a fait une tournée
aux États-Unis avec Cliburn, étant le premier chef d'orchestre russe à visiter
l'Amérique depuis le début de la guerre froide. Les performances et les
enregistrements avec Van Cliburn ont contribué à établir une réputation
internationale pour Kondrashin. Il a tenu de nombreux engagements ultérieurs en
Amérique, le dernier étant un concert au Hollywood Bowl en février 1981.
Les deux
œuvres au programme aujourd'hui sont la Troisième suite orchestrale de
Tchaïkovski - œuvre qui nécessite peu d’introduction, comme elle a été
présentée dans des partages antérieures - et la Sixième symphonie de
Chostakovitch.
Chostakovitch
avait annoncé une fois en septembre 1938 qu'il était impatient de travailler
sur sa sixième symphonie, qui serait une composition monumentale pour solistes,
chœur et orchestre employant le poème Vladimir Ilitch Lénine de Vladimir
Mayakovsky, mais la nature déclamatoire du poème le rendait difficile. mettre
en place. Plus tard, il essaya d'incorporer d'autres ouvrages sur Lénine dans
sa nouvelle symphonie, mais sans succès. Enfin, il choisit une symphonie
purement instrumentale, la complétant en septembre 1939.
Le 21
novembre 1939, exactement deux ans après la création de la Symphonie n ° 5, la
première de la Symphonie n ° 6 a eu lieu dans la grande salle de la
Philharmonie de Leningrad à Leningrad par l'Orchestre philharmonique de
Leningrad dirigé par Yevgeny Mravinsky. La symphonie a eu une première réussie,
mais l'œuvre a ensuite été critiquée pour sa structure disgracieuse et la
juxtaposition discordante des humeurs. Le fait que la symphonie ait été jouée
pendant un festival de musique soviétique de 10 jours qui comprenait des œuvres
patriotiques (de Prokofiev et Shaporin) n'a probablement pas aidé. Le troisième
mouvement galop est le mouvement que Chostakovitch lui-même a pensé être le
plus réussi (lors de la première, la finale a été bissée).
Bonne écoute!
 | Cette sélection souvenir reprend le montage du 20 juillet 2011. Comme tous nos montages antérieurs, vous pourrez le trouver sur la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: http://archive.org/details/InvitationToTheDance |
Au cours
des huit derniers mois, nous avons entrepris le partage (et la ré-écoute) de
tous nos montages B+B et je suis heureux de revenir sur celui-ci, un partage
des premiers mois de nos activités bloguesques. Bien que je n’en ai pas discuté
auparavant, en parcourant ces montages, j’en retape de temps à autre - le
montage d'aujourd'hui contenait de nombreuses pistes «numérisées-maison» que
j'ai trouvées par la suite correctement numérisées ailleurs et le montage
«révisé» qui en résulte est de bien meilleure qualité!
Cette
« Invitation à la danse » me transporte à un temps de l’année (il n’y
a pas si longtemps…) quand ma fille cadette (quatorze à l'époque) se préparait
pour son récital de danse annuel. Ce rituel est l’étincelle qui nous mène à ce
montage de quelques unes de mes « danses » préférées.
En musique
classique, nous trouvons des danses sous plusieurs formes - des pièces qui illustrent
des styles de danse spécifiques (les valses en sont un bon exemple), des suites
de danse (comme, par exemple, les suites et partitas de Bach), danses
nationales ou folkloriques et numéros de danse dans les œuvres de scène.
Les œuvres sélectionnées couvrent tout le spectre, y compris quelques «sélections de ballet», parmi lesquelles j’ai choisi un extrait du ballet de Reinholt Gliere datant des années 1920, «Le pavot rouge». En prime cette semaine, voici une suite de sélections du même ballet interprétées par l'Orchestre du Théâtre Bolchoï dirigé par Yuri Fayer.
Bon
souvenir!
 | Notre montage # 355 est disponible pour écoute et téléchargement depuis la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/pcast355 |
Notre nouveauté B+B cette semaine nous ramène aux sentiers battus: les symphonies londonniennes de Haydn. Dans le passé, nous avons assemblé un triptyque de trois symphonies «paires» (nos 94, 96 et 98) sous un chef et son orchestre et le triptyque d'aujourd'hui complète le «groupe pair» avec les symphonies 100, 102 et 104.
Nous avons également fait confiance à un chef, Otto Klemperer, pour ces
trois œuvres, mais ses forces sont les orchestres Philharmonia «originaux» et
«nouveaux». Permettez-moi de partager les impressions d<un commentateur
(texte ci-dessous adapt/ pour mon usage…)
Klemperer a réalisé [quatre albums de symphonies de Haydn] à divers
moments de sa carrière; deux de ces disques sont parmi les meilleures choses
que ce prolifique chef d'orchestre ait jamais enregistrées. Ce sont les
enregistrements qu’il a faits en 1964-65, un microsillon des symphonies # 88 et
104 (la dernière symphonie de Haydn) et un autre des symphonies # 100 et 102.
Les critiques britanniques détestaient ces disques, qualifiant les
performances lourdes et sans charme. Les performances de Klemperer
étaient parmi les rares de l’époque à prendre vraiment cette musique au sérieux
et à vraiment comprendre à quel point Beethoven empruntait à Haydn: les pauses
soudaines, les changements de ton étranges dans un mouvement, le développement
complexe de mélodies apparemment simples. La plupart des chefs d'orchestre de
l'époque avaient tendance à laisser les cordes dominer dans ce genre de
mouvement, mais Klemperer garde les bois bien en avant et quand Haydn écrit une
fanfare de cuivres dans le premier mouvement de la 104ie, on peut l'entendre.
Si Klemperer a la réputation d'être lent, ses tempos ne sont pas lents
dans ces symphonies; pas aussi rapides qu’aujourd’hui.
Bonne écoute!
| Le billet su ivant est un de mes Quinze que j'en pense pour le mois d'avril 2021. |
Notre billet cette semaine suit le « format rétro » d’une playlist YouTube créée pour la circonstance, et continue notre tryptique consacré aux symphonies de Robert Schumann. Aujourd‘hui, Sergiu Celibidache dirige l'Orchestre philharmonique de Munich dans une paire d'enregistrements publics avec la deuxième symphonie et le concerto pour piano en la mineur.
En 1845, Schumann entreprend l’étude intensive du contrepoint avec sa femme Clara. Il a commencé à concevoir et à tout élaborer dans sa tête, pour lui une toute autre manière de composition. Il commence à esquisser sa deuxième symphonie le 12 décembre 1845, et a eu un brouillon robuste de l'œuvre entière le 28 décembre et a passé la majeure partie de l'année suivante à l'orchestrer. Le ton édifiant de la symphonie est remarquable compte tenu des problèmes de santé de Schumann au moment de sa composition - dépression et mauvaise santé, y compris des bourdonnements d'oreilles.
Bien que commencé quelques années plus tôt, le concerto pour piano en la mineur de Schumann remonte également à 1845. L'œuvre complète a été créée à Dresde le 4 décembre 1845. C'est l'un des concertos pour piano les plus joués et enregistrés de la période romantique.
Le soliste d’aujourd’hui, Arturo Benedetti Michelangeli est considéré comme l’un des plus grands pianistes du XXe siècle et était peut-être le plus reclus, énigmatique et obsessionnel de la poignée de pianistes légendaires de son époque. Notre chef d'orchestre aujourd'hui, Sergiu Celibidache, considérait Michelangeli comme le «plus grand artiste vivant».
La carrière musicale de Celibidache s'est étendue sur plus de cinq décennies, y compris des mandats en tant que chef principal de l'Orchestre philharmonique de Munich, de l'Orchestre philharmonique de Berlin, et de plusieurs autres orchestres européens. Celibidache a fréquemment refusé d’endisquer ses performances de son vivant, affirmant qu'un auditeur ne pouvait pas vivre une «expérience transcendantale» en dehors de la salle de concert. De nombreux enregistrements de ses performances ont été publiés à titre posthume, depuis des archives radio ou même des « bootlegs ». Il a néanmoins gagné une renommée internationale pour ses interprétations du répertoire classique et était connu pour un style de performance fougueux éclairé par son étude et ses expériences dans le bouddhisme zen.
Bonne écoute!
Robert SCHUMANN (1810-1856)
Concerto pour piano en la mineur, Op. 54
Arturo Benedetti Michelangeli, piano
Enregistrement public, 26 septembre 1992
Symphonie No.2, en ut majeur, Op.61
Enregistrement public, 29 novembre 1994
Münchner Philharmoniker
Sergiu Celibidache, direction
YouTube - https://youtube.com/playlist?list=PL...3O_CyDJgXx9bM0
Internet Archive - https://archive.org/details/symphony-no.-2-in-c-op.-61
| Cette sélection souvenir reprend le montage du 5 juillet 2011. Comme tous nos montages antérieurs, vous pourrez le trouver sur la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/DigitalVinyl |
Parce que nous étions occupés la semaine dernière avec des programmes
Carême / Pâques, je n'ai pas évoqué le fait que le 1er avril, nous avons
célébré notre dixième anniversaire de blogs et de baladodiffusions sur ITYWLTMT
(format bilingue) et sur l’Idée Fixe, et que dans quelques mois, il en sera de
même pour nos autres blogs et plateformes de partage musical.
Le week-end qui vient, nous programmerons notre «Abécédaire
musical »; ces montages étaient nos premier et deuxième opus. Le montage
d'aujourd'hui, le quatrième de notre série en cours qui en compte aujourd'hui
354, était entièrement composé de sélections de ma collection de vinyles,
certaines ont même été numérisées à l'aide de techniques artisanales - qui ont
été discutées dans un
autre article contemporain qui en a discuté en termes plus spécifiques.
Depuis lors, j'ai depuis trouvé des copies numériques de la plupart (sinon de
la totalité) des pistes du montage d'aujourd'hui, mais pour fins de nostalgie,
je ne l'ai pas réédité pour remplacer une partie de mon travail original!
Dans le billet original, je fais spécifiquement référence à l'album Saga
du pianiste et compositeur «pseudo-classique» André Gagnon (la citation est
attribuable à l'interprète). J'ai réussi à trouver l'album entier (sauf pour
une piste) en tant que playlist sur la page « sujet » YouTube de M.
Gagnon. J'ai heureusement trouvé la piste manquante et créé une playlist plus
complète que je partage aujourd'hui en tant complément.
https://youtube.com/playlist?list=PL6swnss9F7SHB-WoR6y8w817uznoAM7gA
Bon souvenir!
| Cette sélection souvenir reprend le montage du 29 mars 2013. Comme tous nos montages antérieurs, vous pourrez le trouver sur la chaîne Community Audio du site Internet Archive à l'adresse suivante: https://archive.org/details/Pcast098 |
Cette année
marque le dixième anniversaire de notre aventure bloguesque, et je pense qu'il
convient de souligner que nous avons eu un bon nombre de partages consacrés à
la saison du carême et à la période de trois jours commençant le vendredi saint
et se terminant par le dimanche de Pâques Beaucoup de ces partages furent
programmés au cours des derniers jours et semaines. La sélection souvenir
d’aujourd’hui consacrée au Chemin de Croix a été partagée pour la première fois
ayant passé les derniers huit ans dans nos archives
Le Chemin
de Croix fait référence à une série d'images représentant Jésus-Christ le jour
de sa crucifixion et les prières qui l'accompagnent. Les étapes, ou stations,
réfèrent à la Via Dolorosa à Jérusalem, que l'on pense être le véritable chemin
parcouru par Jésus jusqu'au Calvaire. C'est devenu l'une des dévotions les plus
populaires et les stations peuvent être trouvées dans de nombreuses églises
chrétiennes occidentales, y compris anglicane, luthérienne, méthodiste et
catholique.
À noter,
dans le répertoire classique, Franz Liszt a écrit une Via Crucis pour chœur,
solistes et clavier (piano, orgue ou harmonium) en 1879. En 1931, l'organiste
français Marcel Dupré improvise et transcrit des méditations musicales basées
sur quatorze poèmes de Paul Claudel, un pour chaque station. C’est l’adaptation
proposée aujourd'hui intégralement.
Entre les
stations 11 et 12 du Chemin de Croix, j'ai inséré quelques quatuors de Haydn
inspirés des sept dernières paroles du Christ en croix. Cet ensemble a fait
l'objet d'un billet et partage séparé (2018) avec une version complète jouée
sur des instruments d'époque. La version du montage d'aujourd'hui est du
Emerson String Quartet, et nous avons eu la chance de trouver l'œuvre complète
sur YouTube. Il est présenté ici en prime.
https://youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_mpeL9KJgRQ8sbLeF_hb1krjwmR_LKtNNU
Bon souvenir.
